4.26.2017

Interview: Guadalupe Ruiz

From the series Nada es Eterno, 2006-2012 © Guadalupe Ruiz

I've spent six years getting to know the photography landscape in Colombia, and Guadalupe Ruiz is one of most interesting of the new generation of Colombian photographers. Today we talk with her about the trajectory of her work and her newest photobook.

The interview is presented first in English, then in Spanish. Thank you to Edwin Ochoa for help with the translation.

He pasado seis años conociendo el panorama de la fotografía en Colombia, y Guadalupe Ruiz es una de las más interesantes de la nueva generación de fotógrafos colombianos. Hoy hablamos con ella sobre la trayectoria de su trabajo y su nuevo fotolibro. 

La entrevista se presenta primero en inglés, luego en español. Gracias a Edwin Ochoa por su ayuda con la traducción.
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From the series Nada es Eterno, 2006-2012 © Guadalupe Ruiz

fototazo: Tell us a little about your background and how you got started with photography.

Guadalupe Ruiz: I started taking pictures when I was a student at the art school in Lausanne, ECAL, Switzerland. I mean like at 18 or something. I was interested in photography because it was an option within the studies of graphic design for which I enrolled in this school, that's where I started and I keep working within this medium.

In my family there is no photographic tradition nor was it my grandfather or my dad who gave me a camera when I was twelve as most photographers say when they make a presentation of their work.

f: More than many photographers, your work has continued to change and open up over your career as you've gone from early video pieces on family life in Bogotá to straight observation framed as documentary investigation in Bogotá D.C. and Nada Es Eterno, to observational work presented through the concept of the encyclopedia in your latest work.

Tell us a little about how you conceive of and develop project ideas. Are there common threads and thematic interests weaving through these various projects?

GR: Most of my ideas for working on a topic arise when I travel to Bogota to visit my family and in passing I observe the changes and transformations that have been made to the city. I think it's from there, the environment is favorable for starting a project. I usually do not work spontaneously or do any testing before starting a series, what I do is set myself a purpose or photographic subject and try to do what is humanly possible to achieve it. Then each series corresponds to a moment in my life and a circumstance. Somehow it is an autobiographical work because in the series Bogota, my family and the subjects that I am interested in observing and collecting are always represented. It is ultimately very personal and not as global as it seems.

From the series Cocodrilo © Guadalupe Ruiz

f: Going through your work again to put together questions for you, I spent time with your early video works from Bogotá. In them you work with what I'm assuming is your family, a subject you also work with in still photographs in Nada Es Eterno.

What are some of the ideas you’re engaging with about your family - or using your family as a vehicle to address - in these projects? What does video allow you to do that still photography does not as you work on projects about your family and vice versa?

GR: Working with my family is simply the reflection of a society to which I belong. That is, for me a person influences a small circle or group of people who are known as family and that exchange is where my work arises from. The fact is that I was born and raised in Bogotá and in a way my family is a reflection of that society, of that place where I come from. Obviously the geographic distance has been an element that influences the type of subjects that I have approached because I came to Switzerland alone to study and for personal reasons I stayed to live in this country and my family stayed in Bogota. The video is for me a tool that wants to validate the images, make them even more real, almost to animate them.

The two media are complementary and in both I seek to harmonize and present a real environment and without artifice in the most clear and precise way. If the videos as a general rule have no argument, what they are looking for is to give voice and life to the people in my family that I have always portrayed.

From the series Nada es Eterno, 2006-2012 © Guadalupe Ruiz

f: Your book Bogotá D.C. came out in 2012 in which you photographed the interiors and exteriors of houses located in each of the six tax strata established in the city. The project documents social and economic inequalities and also the parallels that can be seen across the strata, such as Christian iconography. Another of your projects, Cocodrilo, seems to freely mix images that appear to be drawn from the US, Colombia and elsewhere. Across your work, you alternately focus in on the particulars of place, then pull back out wide to build projects that freely mix a sense of place.

What are the criteria you use as you delineate the space that you'll work with in a project? Do you feel that if you build a project in a specific place, it becomes necessarily about that place? Does mixing images from various places allow you to abstract the ideas you’re engaging with?

GR: I think that at the moment I am able to develop a project anywhere independent of being in Bogota. For me it is vital and very important to travel, to catch a train, to move. That is what generates an idea in me. Bogotá D.C. reflects the system of social strata in this city, Cocodrilo is a travel book between the USA, Mexico, Bogotá, Guatemala and Switzerland.

From the series Äpfel und Birnen, 2015 © Guadalupe Ruiz 

f: Your encyclopedia project - Kleine Fotoenzyklopädie – contains 37 chapters of photographs arranged around subjects including "cakes from Chinatown," "Christmas in New York," and "Skyscraper" and reminds me of the fictitious taxonomy of animals of Borges in his story "The Analytical Language of John Wilkins."

His list divides animals into 14 categories including "those that tremble as if they were mad" and "those that, at a distance, resemble flies" speaking to the arbitrariness of systems of classifications and the context specificity of definitions.

What are some of your interests with this project? Does it overlap with Borges' story and his critique of systems of knowledge?

GR: What I was looking for with this project was to generate a new series that would give me a fresh start, that would inspire me again because the work with my family was over and it was time to look for a new source of inspiration, move on to a new stage. The themes arose while traveling and collecting possible subjects to photograph in the place where I was. It was the result of two years of work and the intention was to be able to create my own encyclopedia, look for the subjects that interested me in terms of architecture, nature, art, food, society. I also had the idea of being able to work with digital media using my camera and then being able to print and give it a more analogous touch via offset printing.

From the series Flora, 2013 © Guadalupe Ruiz


From the series Flora, 2013 © Guadalupe Ruiz

f: You published Kleine Fotoenzyklopädie yourself after moving into a building that houses a former offset printing company and learning to use the equipment. What kind of options and opportunities did self-publishing give you in terms of crafting the project, its meaning and the final object?

GR: Self-publishing allows you to have the control and responsibility to make a good product. It's obviously a lot more complicated than working with a graphic designer or publisher, but in the end I think you feel more proud of your work.

For me, what is more important, and I think this is the responsibility of a photographer, is to be clear about the editing of the images that you propose. Selecting is important so that you do not continue to invade the planet with half-finished photographs. The self-publishing process has one complicating disadvantage which is distribution. That is the part that perhaps takes the most energy in the whole process.

From the series Kleine Fotoenzyklopädie, 2015 © Guadalupe Ruiz


From the series Kleine Fotoenzyklopädie, 2015 © Guadalupe Ruiz



From the series Kleine Fotoenzyklopädie, 2015 © Guadalupe Ruiz

f: In what ways, if any, do you think being Colombian, and the history of the country, influences your work or the projects you choose?

GR: Being Colombian has been the source, the basis, the reason for which I have taken photographs for some time. I live in Switzerland but at no time have I been able to develop a theme in this country. The inspiration for me comes from what is outside, far and almost impossible to be seen. The daily life bores me and when I travel to Colombia that is when I am perhaps more awake and attentive to see what is happening because I know that my stay lasts for only a short time. Also it must be said that the Swiss system is very monotonous and repetitive, sometimes boring. It is perhaps for that reason that the advantage is to have that other vision of a place, of a situation, an image always kept in the memory. That is what really stimulates my work and luckily my origin is Colombia, a complex, large, absurd, and spontaneous country.

f: One of the goals with this site is to promote photography from Latin America, especially from Colombia. What work by Colombian photographers would you recommend to readers?

GR: I'm bad at remembering names. In addition, I live a little disconnected from the artistic and photographic reality in Colombia because I am based overseas. The only thing I know is that I find the photographs of a series called "La vida es una pasarela" ("Life is a catwalk") by the artist Jaime Ávila great. They are real, simple and luminous at the same time.

f: Anything else you would like to add, Guadalupe?

GR: I just want to thank you for the interview and for taking an interest in my work. Also I am starting now to publicize my new book that I am going to print in April and that will come out in June called: "TE TENGO UN DURAZNO EN EL ARBOL. YO LE DIJE QUE TE ESPERARA."  It is a book for adults that mixes text and image in the manner of a children's book. It explains in a way the place, the city where I come from and contains archive and current images taken in Bogota between 2000 and 2017. It is a book dedicated to my son, Octavio.

From the series Cocodrilo, 2011 © Guadalupe Ruiz

fototazo: Cuéntenos un poco sobre su historia y cómo empezó con la fotografía.

Guadalupe Ruiz: Comencé a tomar fotografías cuando era estudiante en la escuela de arte en Lausana, ECAL, en Suiza. Es decir como a los 18 años o algo así. Me interesé a la fotografía pues era una opción dentro de los estudios de diseño gráfico para los que me inscribí en esta escuela, por ahi me encarrilé y me quedé trabajando con este medio.

En mi familia no hay ninguna tradición fotográfica ni tampoco fue mi abuelo o mi papá el que me regaló una cámara cuando tenia doce años como suelen decir la mayoría de los fotógrafos cuando hacen una presentación de su trabajo.

From the series Cocodrilo, 2011 © Guadalupe Ruiz


From the series Cocodrilo, 2011 © Guadalupe Ruiz

f: Más que muchos fotógrafos, su trabajo ha cambiado y se ha abierto a lo largo de su carrera ya que usted ha ido de las primeras piezas de video sobre la vida familiar en Bogotá a la observación directa enmarcada como investigación documental en Bogotá D.C. y Nada Es Eterno, al trabajo de observación presentado a través del concepto de la enciclopedia en su último trabajo.

Cuéntenos un poco acerca de cómo concibe y desarrolla ideas de proyectos. ¿Hay hilos comunes e intereses temáticos que se entrelazan a través de estos diversos proyectos?

GR: La mayor parte de mis ideas para trabajar un tema surgen principalmente cuando viajo a Bogotá a visitar a mi familia y de paso observo los cambios y transformaciones que le han hecho a la ciudad. Creo que es de allá el ambiente me es propicio para comenzar un proyecto. Por lo general no trabajo espontáneamente ni hago ensayos previos antes de comenzar una serie, lo que hago es ponerme un propósito o tema fotográfico  y tratar de hacer lo humanamente posible para lograrlo.Luego cada serie corresponde a un momento de mi vida y a una circunstancia. De alguna manera es un trabajo autobiográfico pues en las series están siempre representadas Bogotá, mi familia, los temas que me interesa observar y coleccionar. Es finalmente muy personal y no tan global como parece.

From the series Nada es Eterno, 2006-2012 © Guadalupe Ruiz

f
: Pasando por su trabajo de nuevo para organizar las preguntas para usted, pasé un tiempo con sus videos de Bogotá. En ellos usted trabaja con lo que estoy suponiendo que es su familia, un tema con el que también trabaja en fotografías en 
Nada Es Eterno.

¿Cuáles son algunas de las ideas con las que se relaciona sobre su familia - o usa a su familia como un vehículo para discutir - En estos proyectos? ¿Qué le permite el video hacer que la fotografía no, mientras trabaja en proyectos sobre su familia y viceversa?

GR: El trabajo con mi familia es simplemente el reflejo de una sociedad a la que pertenezco. Es decir, para mi una persona influye un pequeño circulo o grupo de personas que se conocen como familia y de ese intercambio es que surge mi trabajo. El hecho es que yo nací y crecí en Bogotá y en cierto modo mi familia es un reflejo de esa sociedad, de ese lugar de donde vengo. Obviamente la distancia geográfica ha sido un elemento que influye el tipo de temas que he abordado pues a Suiza vine sola a estudiar y por cuestiones de la vida me quede a vivir en este país y mi familia se quedo en Bogotá. El video es para  mi una herramienta que quiere validar las imágenes, hacerlas aun mas reales, casi que animarlas.

Los dos medios son complementarios y en ambos busco armonizar y presentar un entorno real y sin artificios de la manera mas clara y precisa. Si los videos en regla general no tienen argumento, lo que buscan es darle voz y vida a las personas de mi familia que siempre he retratado.

From the series Nada es Eterno, 2006-2012 © Guadalupe Ruiz

f: Su libro Bogotá D.C. Salió en 2012 en el cual fotografió los interiores y exteriores de casas ubicadas en cada uno de los seis estratos establecidos en la ciudad. El proyecto documenta las desigualdades sociales y económicas y también los paralelos que se pueden ver a través de los estratos, como la iconografía cristiana. Otro de sus proyectos, Cocodrilo, parece mezclar libremente las imágenes que parecen extraídas de Estados Unidos, Colombia y otros lugares. A través de su trabajo, usted alternativamente se enfoca en los detalles del lugar, luego toma distancia para construir proyectos que mezclan libremente un sentido de lugar.

¿Cuáles son los criterios que utiliza al delinear el espacio con el que trabajará en un proyecto? ¿Siente que si construye un proyecto en un lugar específico, se convierte necesariamente acerca de ese lugar? ¿La mezcla de imágenes de varios lugares le permite abstraer las ideas con las que se relaciona?

GR: Pienso que en este momento soy capaz de desarrollar un trabajo en cualquier lugar independiente de que sea  hecho en Bogotá. Para mi es vital y muy importante viajar, moverme, coger un tren, desplazarme. Eso es lo que genera en mi una idea. Bogotá D.C. refleja el sistema de estratos en esta ciudad, Cocodrilo es un libro de viaje entre los USA, Mexico, Bogotá, Guatemala y Suiza.

From the series Cocodrilo, 2011 © Guadalupe Ruiz

f: Su proyecto de enciclopedia - Kleine Fotoenzyklopädie - contiene 37 capítulos de fotografías organizadas alrededor de temas como "pasteles de Chinatown", "Navidad en Nueva York" y "Skyscraper" y me recuerda la taxonomía ficticia de animales de Borges en su ensayo " El lenguaje analítico de John Wilkins ".

Su lista divide a los animales en 14 categorías, incluyendo "los que tiemblan como si estuvieran locos" y "los que, a distancia, parecen moscas", hablando a la arbitrariedad de los sistemas de clasificaciones y la especificidad del contexto de las definiciones.

From the series Kleine Fotoenzyklopädie, 2015 © Guadalupe Ruiz

¿Cuáles son algunos de sus intereses con este proyecto? ¿Se superpone con la historia de Borges y su crítica de los sistemas de conocimiento?

GR: Lo que buscaba con este proyecto era generar una nueva serie que me diera un nuevo aire, que me inspirara de nuevo pues el trabajo con mi familia lo daba por terminado y era ya hora de buscar otra nueva fuente de inspiración, pasar a una nueva etapa. Los temas surgieron mientras viajaba y coleccionaba los temas posibles a fotografiar en el lugar en el que estaba. Fué el resultado de un trabajo de 2 años y la intención era poder crear mi propia enciclopedia, buscar los temas que me interesaban en cuanto a arquitectura, naturaleza, arte, comida, sociedad. También tenia la idea de poder realizar un trabajo con un soporte digital usando mi cámara y luego pudiéndolo imprimir y darle un toque mas análogo via la impresión offset.

f: Usted misma publicó Kleine Fotoenzyklopädie después de mudarse a un edificio que alberga a una antigua empresa de impresión offset y aprender a usar el equipo. ¿Qué tipo de opciones y oportunidades le dio la auto-publicación en términos de elaboración del proyecto, su significado y el objeto final?

GR: El auto-publicarse permite tener el control y la responsabilidad de hacer un buen producto. Es obviamente mucho mas complicado que colaborar con un diseñador gráfico o un editor pero al final creo que uno se siente mas orgulloso de su trabajo.

Para mi lo que es mas importante, y pienso es la responsabilidad de un fotógrafo, es tener claro la parte de edición de las imágenes que propone. Seleccionar es importante para no seguir invadiendo el planeta de fotografías hechas a medias. El proceso de auto-publicación tiene la única desventaja de complicar la distribución del producto. Es esa la parte que tal vez toma mas energía en todo el proceso.

From the series Kleine Fotoenzyklopädie, 2015 © Guadalupe Ruiz

From the series Kleine Fotoenzyklopädie, 2015 © Guadalupe Ruiz

f: ¿De qué maneras, si fuese así, cree que ser colombiana, y la historia del país, influye en su trabajo o en los proyectos que elije?

GR: Ser Colombiana ha sido la fuente, la base, la razón por la cual he tomado fotografías desde hace tiempo. Vivo en Suiza pero en ningún momento he sido capaz de desarrollar un tema en este país. La inspiración para mi viene de lo que esta afuera, lejos y casi imposible de ser visto. El cotidiano me aburre y cuando viajo a Colombia es cuando estoy tal vez mas despierta y atenta a ver lo que esta pasando pues sé que es por corto tiempo que dura mi estadía. También hay que decir que el sistema suizo es muy monótono y repetitivo, a veces aburrido. Es tal vez por eso que la ventaja es tener esa otra vision de un lugar, de una situación, una imagen siempre guardada en la memoria. Eso es lo que realmente estimula mi trabajo y por suerte mi origen es Colombia, un país complejo, grande, absurdo, y espontáneo.

TE TENGO UN DURAZNO EN EL ARBOL. YO LE DIJE QUE TE ESPERARA, 2017 © Guadalupe Ruiz


From TE TENGO UN DURAZNO EN EL ARBOL. YO LE DIJE QUE TE ESPERARA, 2017 © Guadalupe Ruiz


From TE TENGO UN DURAZNO EN EL ARBOL. YO LE DIJE QUE TE ESPERARA, 2017 © Guadalupe Ruiz


From TE TENGO UN DURAZNO EN EL ARBOL. YO LE DIJE QUE TE ESPERARA, 2017 © Guadalupe Ruiz

f: Uno de los objetivos de este sitio es promover la fotografía de América Latina, especialmente de Colombia. ¿Qué trabajo recomendaría a los lectores?

GR: Soy muy mala para recordar nombres. Ademas vivo un poco desconectada de la realidad artística y fotográfica en Colombia por el hecho de estar radicada en el exterior. Lo único que sé es que me parecen estupendas las fotografías de una serie que se llama : « La vida es una pasarela » del artista Jaime Ávila. Son reales siendo simples y luminosas a la vez. 

f: ¿Algo más que le gustaría añadir, Guadalupe? 

GR: Solo quisiera dar las gracias por la entrevista y por interesarte a mi trabajo. También desde ya le hago la publicidad a mi nuevo libro que pienso imprimir ahora en abril y que saldrá en junio y que se llama : «  TE TENGO UN DURAZNO EN EL ARBOL. YO LE DIJE QUE TE ESPERARA ». Es un libro para adultos que mezcla texto e imagen a la manera de un libro infantil. Explica en cierto modo el lugar, la ciudad de donde vengo y contiene imágenes de archivos y actuales tomadas en Bogotá entre el 2000 y el 2017. Es un libro dedicado a mi hijo, Octavio.

4.20.2017

LatAm f100: Ignacio Acosta and Pablo López Luz

The garden of Gethsemane from "Hidden Circuits" (from the series "Copper Geographies"). Sudley House, Liverpool, England © Ignacio Acosta, 2015

fototazo has asked a group of 50 curators, gallery owners, blog writers, photographers, academics and others actively engaged with Latin American photography to pick two early career photographers whose work deserves recognition.

This project aims to highlight great work being made in the region today and also to provide a starting point in both English and Spanish for exploring contemporary Latin American photography. LatAm f100 is a collaboration between fototazo and the photographer and educator Jaime Permuth.

Today we continue the series with selections by Marta Dahó. Her biography follows her selections.

The series also includes responses from Molly RobertsMariela SancariAlonso CastilloPaccarik OrueKatrin EismannDina MitraniDon Gregorio AntonCristina De Middel, Arturo SotoCecilia Fajardo-HillGuillermo Srodek-HartYorgos EfthymiadisLivia AnimasJuanita BermúdezSusana Raab, the pairing of Victoria Holguín and Daniella BenedettiEmiliano ValdésMuriel Hasbun and George Slade.

fototazo ha invitado a un grupo de 50 curadores, galeristas, escritores, fotógrafos, y académicos - entre otros individuos seriamente comprometidos con la fotografía latinoamericana - a escoger cada quién dos fotógrafos emergentes cuya obra sea merecedora de mayor reconocimiento.

Este proyecto es una manera de celebrar el gran trabajo que se lleva a cabo en la región. Asimismo, busca proporcionar un punto de partida bilingüe en inglés y en español a las audiencias que deseen explorar la fotografía contemporánea en latinoamérica. LatAm f100 es una colaboración entre fototazo y el fotógrafo y educador 
Jaime Permuth.

Hoy continuamos la serie con selecciones aportadas por 
Marta DahóEncontrará su biografía al final del texto.

La serie también incluye contribuciones de 
Molly RobertsMariela SancariAlonso CastilloPaccarik OrueKatrin EismannDina MitraniDon Gregorio AntonCristina De MiddelArturo SotoCecilia Fajardo-HillGuillermo Srodek-HartYorgos EfthymiadisLivia AnimasJuanita BermúdezSusana Raab, el dúo de Victoria Holguín y Daniella BenedettiEmiliano ValdésMuriel Hasbun y George Slade.
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Ignacio Acosta, with Copper Geographies, has developed a very meaningful project, for the geopolitical reflections he contributes as well as for the questions he poses regarding the challenges that photographers must confront in order to work on the drastic and dramatic transformations that a given territory experiences. How to photograph the interdependence of geographically distant events that occur almost simultaneously including such diverse realities as: labor, ecologies, social elements, politics...? With subtlety, but forcefulness, Acosta's work provides significant insight to the link between the effects of extractive industries and our way of moving and communicating with each other; dealing with the opacities of a system marked by the laws of the Capitalocene, despite the evident limits of the photographic medium.

Ignacio Acosta, con Copper Geographies, ha desarrollado un proyecto muy significativo, tanto por las reflexiones de orden geopolítico que aporta como por los cuestionamientos que plantea respecto de los retos con los que deben confrontarse los fotógrafos para trabajar sobre las drásticas y dramáticas transformaciones que experimenta el territorio. ¿Cómo fotografiar la interdependencia de acontecimientos geográficamente distantes que ocurren casi simultáneamente tocando, además, realidades tan diversas: laborales, ecológicas, sociales, políticas...? Con sutileza pero contundencia, el trabajo de Acosta proporciona significativas reflexiones sobre el vínculo existente entre los efectos de las industrias extractivas y nuestra forma de movernos y comunicarnos; logrando lidiar, pese a los evidentes límites del medio fotográfico, con las opacidades de un sistema marcado por las leyes del capitaloceno

Waterfall beneath a high bridge from "Hidden Circuits" (from the series "Copper Geographies"). Sudley House, Liverpool, England
© Ignacio Acosta, 2015 


The west still glimmers with some streaks of day from "Hidden Circuits" (from the series "Copper Geographies"). Sudley House,
Liverpool, England © Ignacio Acosta, 2015


A sailing ship, Emma from "Hidden Circuits" (from the series "Copper Geographies"). Sudley House, Liverpool, England
© Ignacio Acosta, 2015


In a convent garden from "Hidden Circuits" (from the series "Copper Geographies"). Sudley House, Liverpool, England
© Ignacio Acosta, 2015


Give us this day our daily bread from "Hidden Circuits" (from the series "Copper Geographies"). Sudley House, Liverpool, England
© Ignacio Acosta, 2015


Over some wide watered shore from "Hidden Circuits" (from the series "Copper Geographies"). Sudley House, Liverpool, England © Ignacio Acosta, 2015


The wreck buoy from "Hidden Circuits" (from the series "Copper Geographies"). Sudley House, Liverpool, England © Ignacio Acosta, 2015


Tobias and the fish from "Hidden Circuits" (from the series "Copper Geographies"). Sudley House, Liverpool, England © Ignacio Acosta, 2015


A sunny corner from "Hidden Circuits" (from the series "Copper Geographies"). Sudley House, Liverpool, England © Ignacio Acosta, 2015

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Pablo López Luz discovered long ago the advantages of seeing from an uncommon perspective: from very high up. Initially inspired perhaps by works such as 34 Parking Lots by Ed Ruscha, he became aware not only of the realities revealed by changing one's view point, but also of how these bird-eye images interrelated with what happened at ground level. Without letting himself be carried along just by the aesthetic force that has always accompanied his projects, Pablo López Luz has continued to use photography as an instrument of observation and analysis, always dealing with another fundamental coordinate in his approach: the historical perspective. In the works centered mainly on the Latin American architectural idiosyncrasies and the presence of the pre-Columbian culture (Pyramid, 2014) as well as in his work in Acapulco or in his most recent project, carried out in the last few years on the border between Mexico and the United States, Pablo López Luz has never stopped trying to visualize this almost transparent fabric of relations between past and present.

Pablo López Luz descubrió hace tiempo las ventajas de mirar desde una perspectiva poco frecuente: desde muy arriba. Quizás inicialmente inspirado por trabajos como 34 Parking Lots de Ed Ruscha, tomó conciencia no solamente de las realidades que se revelaban al cambiar de punto de vista, sino también de cómo estas imágenes a vista de pájaro se interrelacionaban con lo que ocurría a ras de suelo. Sin dejarse arrastrar únicamente por la fuerza estética que siempre ha acompañado a sus proyectos, Pablo López Luz ha continuado utilizando la fotografía como instrumento de observación y análisis atendiendo siempre a otra coordenada fundamental en su planteamiento: la perspectiva histórica. Tanto en los trabajos centrados fundamentalmente en la idiosincrasia arquitectónica latinoamericana y la presencia de la cultura precolombina (Pyramid, 2014) como en su trabajo sobre Acapulco o en su proyecto más reciente, realizado en los últimos años en la frontera entre México y Estados Unidos, Pablo López Luz nunca ha dejado de tratar de visibilizar ese tejido casi transparente de relaciones entre pasado y presente.

© Pablo López Luz


© Pablo López Luz


© Pablo López Luz


© Pablo López Luz


© Pablo López Luz


© Pablo López Luz


© Pablo López Luz


© Pablo López Luz


© Pablo López Luz


© Pablo López Luz
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Marta Dahó is a curator, researcher and teacher in several photography schools in Barcelona. She has a degree in Art History (UAB) and a Master in Advanced Studies in Art History (UB). She is an Associate Member of the Art Globalization and Interculturality (AGI) Research Group at the University of Barcelona. Her work encompasses different aspects of the theory and practice of photography that she has explored through curating and writing. Her curatorial projects include the retrospective of Stephen Shore (Fundación Mapfre, 2014), Agroperifèrics (Centro Huarte, 2014), the retrospective of Graciela Iturbide (Fundación Mapfre, 2009), An idea of Europe (Festival Fotofreo, 2010), Talent Latent (Festival Scan, 2008), among others.

Marta Dahó es comisaria de exposiciones, investigadora y docente en diversas escuelas de fotografía de Barcelona. Licenciada en Historia del Arte (UAB) y Máster en Estudios Avanzados de Historia del Arte (UB), es miembro asociado del Grupo de Investigación “Art Globalization and Interculturality” (AGI) de la Universidad de Barcelona. Su trabajo engloba diferentes aspectos de la teoría y la práctica de la fotografía que ha explorado a través del comisariado y la escritura. Entre sus proyectos curatoriales destacan la retrospectiva de Stephen Shore (Fundación Mapfre, 2014), Agroperifèrics (Centro Huarte, 2014), la retrospectiva de Graciela Iturbide (Fundación Mapfre, 2009), An idea of Europe (Festival Fotofreo, 2010) o Talent Latent (Festival Scan, 2008), entre otros.

4.18.2017

LatAm f100: Alejandro Chaskielberg and Alejandra Laviada

From the series "Otsuchi" © Alejandro Chaskielberg

fototazo has asked a group of 50 curators, gallery owners, blog writers, photographers, academics and others actively engaged with Latin American photography to pick two early career photographers whose work deserves recognition.

This project aims to highlight great work being made in the region today and also to provide a starting point in both English and Spanish for exploring contemporary Latin American photography. LatAm f100 is a collaboration between fototazo and the photographer and educator Jaime Permuth.

Today we continue the series with selections by George Slade. His biography follows his selections.

The series also includes responses from Molly RobertsMariela SancariAlonso CastilloPaccarik OrueKatrin EismannDina MitraniDon Gregorio AntonCristina De Middel, Arturo SotoCecilia Fajardo-HillGuillermo Srodek-HartYorgos EfthymiadisLivia AnimasJuanita BermúdezSusana Raab, the pairing of Victoria Holguín and Daniella BenedettiEmiliano Valdés and Muriel Hasbun.

fototazo ha invitado a un grupo de 50 curadores, galeristas, escritores, fotógrafos, y académicos - entre otros individuos seriamente comprometidos con la fotografía latinoamericana - a escoger cada quién dos fotógrafos emergentes cuya obra sea merecedora de mayor reconocimiento.

Este proyecto es una manera de celebrar el gran trabajo que se lleva a cabo en la región. Asimismo, busca proporcionar un punto de partida bilingüe en inglés y en español a las audiencias que deseen explorar la fotografía contemporánea en latinoamérica. LatAm f100 es una colaboración entre fototazo y el fotógrafo y educador Jaime Permuth.


Hoy continuamos la serie con selecciones aportadas por George Slade. 
Encontrará su biografía al final del texto.

La serie también incluye contribuciones de 
Molly RobertsMariela SancariAlonso CastilloPaccarik OrueKatrin EismannDina MitraniDon Gregorio AntonCristina De MiddelArturo SotoCecilia Fajardo-HillGuillermo Srodek-HartYorgos EfthymiadisLivia AnimasJuanita BermúdezSusana Raab, el dúo de Victoria Holguín y Daniella BenedettiEmiliano Valdés y Muriel Hasbun.
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When I received a copy of Alejandro Chaskielberg's Otsuchi to review for photo-eye, I admit feeling a bit confused. I couldn't wrap my visual cortex around these strange images. But the longer and closer I looked, the more they drew me into their discomfort. His photographs, after all, are about displacement, so why shouldn't they have a quality of alienation? I realized that earlier work of his I'd seen had a comparably unsettling effect on me; when this happens, you have to pay attention.

Cuando recibí una copia de Otsuchi de Alejandro Chaskielberg para revisar para Photo-Eye, admito sentirme un poco confundido. No podía hacer que mi corteza visual entendiera estas extrañas imágenes. Pero cuanto más miraba y más de cerca, más me atraían hacia su incomodidad. Sus fotografías, después de todo, son sobre el desplazamiento, así que ¿por qué no deberían tener una cualidad de alienación? Me di cuenta de trabajo previo suyo que había visto tenía un efecto relativamente inquietante sobre mí; Cuando esto sucede, tienes que prestar atención.

From the series "Otsuchi" © Alejandro Chaskielberg


From the series "Otsuchi" © Alejandro Chaskielberg


From the series "Otsuchi" © Alejandro Chaskielberg


From the series "Otsuchi" © Alejandro Chaskielberg


From the series "Otsuchi" © Alejandro Chaskielberg


From the series "Otsuchi" © Alejandro Chaskielberg


From the series "Otsuchi" © Alejandro Chaskielberg


From the series "Otsuchi" © Alejandro Chaskielberg


From the series "Otsuchi" © Alejandro Chaskielberg
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I got hooked on Alejandra Laviada's work a few years ago when I discovered her photographs of assembled artifacts in the "Juarez 56," "Photo Sculptures," and "Re-Constructions" series. I love her trash esthetic (she's a bricoleur, a latter day Rauschenberg), her subtle, gorgeous lighting and colors, and the way her photographs come across like paintings, sculptures, and documentation of performance art mixed with urban exploration - all at the same time.

Me enganché al trabajo de Alejandra Laviada hace unos años cuando descubrí sus fotografías de artefactos ensamblados en las series "Juárez 56", "Esculturas fotográficas" y "Re-Construcciones". Me encanta su estética de basura (ella es un bricoleur, una Rauschenberg tardía), Su iluminación y colores sutiles y magníficos, y la forma en que sus fotografías aparecen como pinturas, esculturas y documentación del arte de la performance mezclado con la exploración urbana, todo al mismo tiempo.

From the series "Juarez 56" 2007 © Alejandra Laviada


From the series "Juarez 56" 2007 © Alejandra Laviada


From the series "Juarez 56" 2007 © Alejandra Laviada


From the series "Photo Sculptures" 2008-2009 © Alejandra Laviada


From the series "Photo Sculptures" 2008-2009 © Alejandra Laviada


From the series "Photo Sculptures" 2008-2009 © Alejandra Laviada


From the series "Photo Sculptures" 2008-2009 © Alejandra Laviada


From the series "Re-Constructions" 2011-2012 © Alejandra Laviada


From the series "Re-Constructions" 2011-2012 © Alejandra Laviada


From the series "Re-Constructions" 2011-2012 © Alejandra Laviada

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George Slade is a writer, curator, and historian based in Minnesota. Through his projects re:photographica and TC Photo he creates a stream of content oriented toward visual literacy and connections between photographers and audiences.

George Slade es escritor, curador e historiador con sede en Minnesota. A través de sus proyectos re:photographica y TC Photo crea una corriente de contenidos orientados hacia la alfabetización visual y las conexiones entre fotógrafos y audiencias.