10.10.2018

LatAm f100: Eustáquio Neves and José Diniz

From the series "Cartas ao Mar" 2016 © Eustáquio Neves

fototazo has asked a group of 50 curators, gallery owners, blog writers, photographers, academics and others actively engaged with Latin American photography to pick two photographers whose work deserves recognition.

This project aims to highlight great work being made in the region today and also to provide a starting point in both English and Spanish for exploring contemporary Latin American photography. LatAm f100 is a collaboration between fototazo and the photographer and educator Jaime Permuth.

Today we continue the series with selections by Eder Chiodetto. His biography follows his selections.

fototazo ha invitado a un grupo de 50 curadores, galeristas, escritores, fotógrafos, y académicos - entre otros individuos seriamente comprometidos con la fotografía latinoamericana - a escoger cada quién dos fotógrafos cuya obra sea merecedora de mayor reconocimiento.

Este proyecto es una manera de celebrar el gran trabajo que se lleva a cabo en la región. Asimismo, busca proporcionar un punto de partida bilingüe en inglés y en español a las audiencias que deseen explorar la fotografía contemporánea en Latinoamérica. LatAm f100 es una colaboración entre fototazo y el fotógrafo y educador Jaime Permuth.


Hoy continuamos la serie con selecciones aportadas por Eder Chiodetto
Encontrará su biografía al final del texto.


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Eustaquio Neves
From the series "Cartas ao Mar" 2016 © Eustáquio Neves


From the series "Cartas ao Mar" 2016 © Eustáquio Neves


From the series "Cartas ao Mar" 2016 © Eustáquio Neves


From the series "Cartas ao Mar" 2016 © Eustáquio Neves


From the series "Cartas ao Mar" 2016 © Eustáquio Neves


From the series "Encomendador de Almas" 2008 © Eustáquio Neves


From the series "Encomendador de Almas" 2008 © Eustáquio Neves


From the series "Encomendador de Almas" 2008 © Eustáquio Neves


From the series "Encomendador de Almas" 2008 © Eustáquio Neves
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José Diniz

© José Diniz


© José Diniz


© José Diniz


© José Diniz


© José Diniz


© José Diniz


© José Diniz


© José Diniz


© José Diniz


© José Diniz
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Eder Chiodetto has a Master's in Communication from the University of São Paulo. He is a journalist, editor, professor and independent curator, having organized about 100 photography exhibitions in Brazil and abroad. He currently coordinates the Atelier Fotô Center for Advanced Studies in Photography, in São Paulo, is the director of Fotô Editorial and curator of photography at the Museum of Modern Art in São Paulo (MAM-SP). Chiodetto is the author of the books "Geração 00: A Nova Fotografia Brasileira" (Edições Sesc), "Curadoria em Fotografia: da pesquisa à exposição" (Ateliê Fotô / Funarte) and "O Lugar do Escritor" (Cosac Naify), among others.

Eder Chiodetto es maestro en Comunicación por la Universidad de São Paulo, periodista, editor, profesor y curador independiente, habiendo realizado alrededor de 100 exposiciones de fotografía en Brasil y en el exterior. Actualmente coordina el Atelier Fotô centro de estudios avanzados en fotografía, en São Paulo, es el director de la Fotô Editorial (www.fotoeditorial.com) y curador de fotografía del Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM-SP).  Chiodetto es autor de los libros "Geração 00: A Nova Fotografia Brasileira”(Edições Sesc), “Curadoria em Fotografia: da pesquisa à exposição” (Ateliê Fotô / Funarte) e “O Lugar do Escritor" (Cosac Naify), entre otros. 
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This series also includes responses from Molly RobertsMariela SancariAlonso CastilloPaccarik OrueKatrin EismannDina MitraniDon Gregorio AntonCristina De Middel, Arturo SotoCecilia Fajardo-HillGuillermo Srodek-HartYorgos EfthymiadisLivia AnimasJuanita BermúdezSusana Raab, the pairing of Victoria Holguín and Daniella BenedettiEmiliano ValdésMuriel HasbunGeorge SladeMarta DahóElizabeth AvedonJorge PicciniRodrigo OrrantiaSujong SongNelson Herrera YslaOliva María RubioJonathan BlausteinPatricia MartinJosé Luis CuevasZully SoteloAlfredo De Stefano FaríasGonzalo GolpeJulián BarónJames RodríguezMisha VallejoMusuk NolteCintia Durán, and Alasdair Foster.

9.04.2018

LatAm f100: Cecilia Paredes and Antonio Briceño

Nocturne, 2009 © Cecilia Paredes

fototazo has asked a group of 50 curators, gallery owners, blog writers, photographers, academics and others actively engaged with Latin American photography to pick two photographers whose work deserves recognition.

This project aims to highlight great work being made in the region today and also to provide a starting point in both English and Spanish for exploring contemporary Latin American photography. LatAm f100 is a collaboration between fototazo and the photographer and educator Jaime Permuth.

Today we continue the series with selections by Alasdair Foster. His biography follows his selections.

fototazo ha invitado a un grupo de 50 curadores, galeristas, escritores, fotógrafos, y académicos - entre otros individuos seriamente comprometidos con la fotografía latinoamericana - a escoger cada quién dos fotógrafos cuya obra sea merecedora de mayor reconocimiento.

Este proyecto es una manera de celebrar el gran trabajo que se lleva a cabo en la región. Asimismo, busca proporcionar un punto de partida bilingüe en inglés y en español a las audiencias que deseen explorar la fotografía contemporánea en Latinoamérica. LatAm f100 es una colaboración entre fototazo y el fotógrafo y educador Jaime Permuth.


Hoy continuamos la serie con selecciones aportadas por Alasdair Foster
Encontrará su biografía al final del texto.
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Cecilia Paredes
Peru
[en español abajo]

The eye is caught by colour. Pattern engages the mind. Ambiguity fuels the imagination. This is no mere accident; these traits have evolved as essential to long-term survival. Colour changes with ripeness, with hotness, with disease; it calls to us, warns us, hides from us. It is by recognising and understanding patterns that we can order the world around us, describe and anticipate its ever-unfolding narratives and, in turn, represent this knowledge in symbolic configurations of our own devising. But it is ambiguity that engages us most strongly. The uncertain must be investigated, analysed, assayed against memory and made prescient in the mind’s eye. While the play of young animals and children prefigures the dealings of adult life (conflict, cooperation, danger, love …), the skills we now associate with story-telling and the arts invert the process, repurposing the traits of survival to a kind of play. It is a reflexive kind of play that seeks not just to understand the exterior world, but ourselves. For it is through that understanding of self that we can reach out empathetically to conceive the interior life of others.

The ‘landscapes’ [paisajes] of the Peruvian artist Cecilia Paredes draw on and articulate this interior experience. Her body lies camouflaged amid the ornate designs of chintz and wallpaper like a fugitive being in a prehistoric jungle. Is this the lair of the predator or the hiding place of the prey? Perhaps neither… For Cecilia Paredes, it is the marginal beings that she loves most. The misunderstood. Loners.

Her work with fabric designs evolved over a journey that took her from Peru to Costa Rica and on to the USA. The images arose from a synthesis of local experience and personal introspection. The lush tropical flora of Costa Rica made a deep impression that provided the visual tropes for this work, while she sensed in the animals she discovered there a powerful empathic identification.

Moving on again, this time to Philadelphia, those visual and emotional memories became the basis of a creative language through which to explore each new experience. The lot of the migrant is to become subsumed into the patterns of another culture, another way of life. To survive one must blend in; learn to be something else, someone new. The rich floral designs of chintz and wallpaper, and the inspiration she drew from the animal-life of Costa Rica, came together to express these feelings through a process of visual orchestration.

But are we lost to ourselves as we simply dissolve into the alien landscapes of the new?

These images are ambiguous. The disappearing act is in the eye of the beholder. The woman remains whole and uncorrupted, we just have to work harder to perceive how she inhabits the space of the frame, harmonising with (while remaining distinct from) the florid patterns and stylised foliage. Form describes the corporeal fact; pattern the context. And it is our evolved sense of self-preservation, repurposed to consider the internal life of others, through which we each have the possibility of true insight.

Firenze, 2018 © Cecilia Paredes


The Secret, 2018 © Cecilia Paredes


Dreaming Rose, 2009 © Cecilia Paredes


Eve, 2018 © Cecilia Paredes


Hermitage II, 2018 © Cecilia Paredes


Looking East, 2018 © Cecilia Paredes


Both Worlds, 2011 © Cecilia Paredes


Vienna, 2017 © Cecilia Paredes


Elusive Paradise, 2010 © Cecilia Paredes

El ojo es atrapado por el color. El patrón atrae la mente. La ambigüedad alimenta la imaginación. Esto no es un mero accidente; estos rasgos han evolucionado como esenciales para la supervivencia a largo plazo. El color cambia con la madurez, con el calor, con la enfermedad; nos llama, nos advierte, se esconde de nosotros. Es al reconocer y comprender los patrones que podemos ordenar el mundo que nos rodea, describir y anticipar sus narrativas en constante desarrollo y, a su vez, representar este conocimiento en configuraciones simbólicas de nuestra propia invención. Pero es la ambigüedad lo que nos compromete más fuertemente. Lo incierto debe ser investigado, analizado, evaluado en contra de la memoria y hecho profético en el ojo de la mente. Mientras que el juego de animales jóvenes y niños prefigura el trato de la vida adulta (conflicto, cooperación, peligro, amor...), las habilidades que ahora asociamos con la narración de historias y las artes invierten el proceso, reutilizando los rasgos de la supervivencia a una especie de juego. Es un tipo de juego reflexivo que busca no solo entender el mundo exterior, sino también a nosotros mismos. Porque es a través de esa comprensión de uno mismo que podemos extendernos con empatía para concebir la vida interior de los demás.

Los 'paisajes' de la artista peruana Cecilia Paredes se basan y articulan esta experiencia interior. Su cuerpo yace camuflado entre los adornados diseños de chintz y papel tapiz como un ser fugitivo en una jungla prehistórica. ¿Es esta la guarida del depredador o el escondite de la presa? Quizás ninguno... Para Cecilia Paredes, son los seres marginales los que ella más ama. Los incomprendidos. Los solitarios.

Su trabajo con diseños de telas evolucionó en un viaje que la llevó desde Perú a Costa Rica y a los Estados Unidos. Las imágenes surgieron de una síntesis de la experiencia local y la introspección personal. La exuberante flora tropical de Costa Rica causó una impresión profunda que proporcionó los tropos visuales para este trabajo, mientras que ella detectó en los animales que descubrió allí una poderosa identificación empática.

Pasando de nuevo, esta vez a Filadelfia, esos recuerdos visuales y emocionales se convirtieron en la base de un lenguaje creativo a través del cual explorar cada nueva experiencia. La suerte del migrante es ser subsumido en los patrones de otra cultura, otra forma de vida. Para sobrevivir uno debe mezclarse; aprender a ser otra cosa, alguien nuevo. Los ricos diseños florales de chintz y papel tapiz, y la inspiración que ella tomó de la vida animal de Costa Rica, se unieron para expresar estos sentimientos a través de un proceso de orquestación visual.

¿Pero estamos perdidos para nosotros mismos ya que simplemente nos disolvemos en los paisajes extraños de lo nuevo?

Estas imágenes son ambiguas. El acto de desaparición está en el ojo del espectador. La mujer permanece íntegra y no corrompida, solo tenemos que trabajar más duro para percibir cómo ella habita en el espacio del marco, armonizando con (mientras mantiene la diferencia con) los estampados floridos y el follaje estilizado. La forma describe el hecho corporal; modelar el contexto. Y es nuestro sentido evolucionado de autoconservación, reutilizado para considerar la vida interna de los demás, a través de la cual cada uno de nosotros tiene la posibilidad de una verdadera percepción.

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Antonio Briceño
Venezuela / Spain
[en español abajo]

Sex is a small word, but a large and complex area of human experience and being. The act is an intense pleasure that can also be used as a weapon. The ontological nature of gender, while systematised as a binary, is capable of subtle and fluid subjective expression. Social norms map the highways and byways of where, when and how sex is legitimate and where it is deviant, scandalous or illegal. These culturally defined maps are so familiar that attitudes to sex can quickly ossify becoming unquestioned and emotive certainties. In the industrial west, sex has become a lifestyle, a politics of identity and an impossibly idealised commodity.

In the nineteenth century, when scientific and legal authorities did much to catalogue, pathologise and criminalise those aspects of human sexuality deemed beyond the pale, it created a whole new sexual menu which, while its bill of fare was not innovative in itself, could be served up with exotic new names and a large dollop of sauce. The acts of the body were extended into the nature of the mind. In reaction against this commoditisation of sex, some sought to escape to distant cultures, where eroticism was (or appeared to be) simpler and more natural. However, seen through contemporary post-colonial lens, such cross-cultural expeditions tend to be viewed with critical scepticism, if not downright opprobrium.

It is, then, a brave artist who seeks to engage the fluid nature of sex, gender and sexuality in cultures beyond the mores and strictures of the industrialised west, let alone represent them visually. But the Venezuelan artist, Antonio Briceño, is just such a person. For the last quarter-century, he has worked with more than thirty-five indigenous cultures spanning five continents, from the Sami of northern Europe to the Maori of New Zealand. There is a strong ecological thread that runs through his work, both in the naturalistic meaning of the environment and in the more metaphorical meaning of human diversity and interdependence. Much of his work pays homage to the mythologies and traditional wisdom at the heart of these cultures.

The images here are drawn from two series that address a more specific phenomenon depicting an ecosystem of sexual expression. They were made in and around the Peruvian city of Iquitos, deep in the Amazon jungle. Iquitos has become known for its relaxed attitude to sex. In ‘Equinoctial Love’ the artist sets the languid androgyny of youth and the darker machismo of maturity in contexts that draw on the myth of Aphrodite and her acolytes. It is an aesthetic syncretism that interweaves cross-cultural symbols such as foam, arrows and doorways to speak indirectly of the act of sex in order to reflect upon the ontological nature of erotic states of being.

In contrast, ‘Thirteen Beds’ pays attenuated attention to the act itself, an extended photographic exposure that captures love-making in a dynamic but non-specific way. The images hint at a diversity of sexual preference while blending all in the swirling blur of coital union.

The series employ two distinct devices: the one a cross-cultural aesthetic symbolism, the other a subjective documentary impressionism.  In the imaginative space between these two states, Antonio Briceño evokes the sensibility of one culture in terms that may be understood in another. Or, if not understood, then sensed somatically and felt empathically…

© Antonio Briceño, from the series "Equinoctial Love"


© Antonio Briceño, from the series "Equinoctial Love"


© Antonio Briceño, from the series "Equinoctial Love" 


© Antonio Briceño, from the series "Equinoctial Love"


© Antonio Briceño, from the series "Equinoctial Love"


© Antonio Briceño, from the series "13 Beds"


© Antonio Briceño, from the series "13 Beds"


© Antonio Briceño, from the series "13 Beds"


© Antonio Briceño, from the series "13 Beds"


© Antonio Briceño, from the series "13 Beds"
El sexo es una palabra pequeña, pero un área grande y compleja de la experiencia y el ser humano. El acto es un placer intenso que también se puede usar como arma. La naturaleza ontológica del género, aunque sistematizada como un binario, es capaz de una expresión subjetiva sutil y fluida. Las normas sociales mapean las carreteras y caminos de dónde, cuándo y cómo el sexo es legítimo y dónde es desviado, escandaloso o ilegal. Estos mapas definidos culturalmente son tan familiares que las actitudes hacia el sexo pueden rápidamente osificarse y convertirse en certezas emotivas e incuestionables. En el oeste industrial, el sexo se ha convertido en un estilo de vida, una política de identidad y una mercancía increíblemente idealizada.

En el siglo XIX, cuando las autoridades científicas y legales hicieron mucho por catalogar, tratar como una patología y criminalizar aquellos aspectos de la sexualidad humana considerados fuera de lugar, crearon un nuevo menú sexual que, si bien su factura no era innovadora en sí misma, podría ser servido con nuevos nombres exóticos y una gran porción de salsa. Los actos del cuerpo se extendieron a la naturaleza de la mente. En reacción contra esta mercantilización del sexo, algunos intentaron escapar a culturas distantes, donde el erotismo era (o parecía ser) más simple y más natural. Sin embargo, visto a través del lente poscolonial contemporáneo, tales expediciones transculturales tienden a verse con escepticismo crítico, si no absolutamente oprobioso.

Es, entonces, un artista valiente quien busca abordar la naturaleza fluida del sexo, el género y la sexualidad en las culturas más allá de las costumbres y restricciones del oeste industrializado, por no hablar de representarlas visualmente. Pero el artista venezolano Antonio Briceño es justo ese tipo de persona. Durante el último cuarto de siglo, ha trabajado con más de treinta y cinco culturas indígenas que abarcan cinco continentes, desde los sami del norte de Europa hasta los maoríes de Nueva Zelanda. Existe un fuerte hilo ecológico que recorre su trabajo, tanto en el sentido naturalista del entorno como en el significado más metafórico de la diversidad e interdependencia humanas. Gran parte de su trabajo rinde homenaje a las mitologías y la sabiduría tradicional en el corazón de estas culturas.

Las imágenes aquí están extraídas de dos series que abordan un fenómeno más específico que representa un ecosistema de expresión sexual. Se hicieron en y alrededor de la ciudad peruana de Iquitos, en las profundidades de la selva amazónica. Iquitos se ha hecho conocida por su actitud relajada hacia el sexo. En 'Equinoctial Love' el artista establece la lánguida androginia de la juventud y el machismo más oscuro de la madurez en contextos que se basan en el mito de Afrodita y sus acólitos. Es un sincretismo estético que entrelaza símbolos transculturales como espuma, flechas y puertas para hablar indirectamente del acto sexual para reflexionar sobre la naturaleza ontológica de los estados eróticos del ser.

Por el contrario, 'Trece camas' presta atención atenuada al acto en sí, una exposición fotográfica prolongada que capta el acto de hacer el amor de una manera dinámica pero no específica. Las imágenes insinúan una diversidad de preferencias sexuales mientras se mezclan en el borrón de la unión coital.

La serie emplea dos dispositivos distintos: el que es un simbolismo estético transcultural y el otro un impresionismo documental subjetivo. En el espacio imaginativo entre estos dos estados, Antonio Briceño evoca la sensibilidad de una cultura en términos que pueden ser entendidos en otra. O, si no entendida, entonces percibida somáticamente y sentida empáticamente...
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Dr Alasdair Foster is a writer, researcher and award-winning curator initiating intercultural photography and visual art projects around the world, especially in Asia and the Pacific Rim. He is Adjunct Professor in the School of Art of RMIT University, Melbourne and a member of the university’s Contemporary Art and Social Transformation research group. Dr Foster has 20 years’ experience heading national arts institutions and over 35 years of working in the public cultural sector. He was the founding director of Fotofeis festival, Europe’s largest photo event of the nineties (1991–1997) and director of the Australian Centre for Photography (1998–2011). He is currently Leverhulme Visiting professor at the University of Dundee, Scotland.
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This series also includes responses from Molly RobertsMariela SancariAlonso CastilloPaccarik OrueKatrin EismannDina MitraniDon Gregorio AntonCristina De Middel, Arturo SotoCecilia Fajardo-HillGuillermo Srodek-HartYorgos EfthymiadisLivia AnimasJuanita BermúdezSusana Raab, the pairing of Victoria Holguín and Daniella BenedettiEmiliano ValdésMuriel HasbunGeorge SladeMarta DahóElizabeth AvedonJorge PicciniRodrigo OrrantiaSujong SongNelson Herrera YslaOliva María RubioJonathan BlausteinPatricia MartinJosé Luis CuevasZully SoteloAlfredo De Stefano FaríasGonzalo GolpeJulián BarónJames RodríguezMisha VallejoMusuk Nolte and Cintia Durán.

8.13.2018

LatAmf100: Concepción Huerta and Alejandra Saldaña

© Concepción Huerta

fototazo has asked a group of 50 curators, gallery owners, blog writers, photographers, academics and others actively engaged with Latin American photography to pick two early career photographers whose work deserves recognition.

This project aims to highlight great work being made in the region today and also to provide a starting point in both English and Spanish for exploring contemporary Latin American photography. LatAm f100 is a collaboration between fototazo and the photographer and educator Jaime Permuth.

Today we continue the series with selections by Cintia Durán. Her biography follows his selections.

fototazo ha invitado a un grupo de 50 curadores, galeristas, escritores, fotógrafos, y académicos - entre otros individuos seriamente comprometidos con la fotografía latinoamericana - a escoger cada quién dos fotógrafos emergentes cuya obra sea merecedora de mayor reconocimiento.

Este proyecto es una manera de celebrar el gran trabajo que se lleva a cabo en la región. Asimismo, busca proporcionar un punto de partida bilingüe en inglés y en español a las audiencias que deseen explorar la fotografía contemporánea en Latinoamérica. LatAm f100 es una colaboración entre fototazo y el fotógrafo y educador Jaime Permuth.


Hoy continuamos la serie con selecciones aportadas por Cintia Durán.
 Encontrará su biografía al final del texto.
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Tú, hermoso error de la naturaleza

On the work of Alejandra Saldaña and Concepción Huerta
By Cintia Durán

There is a narrative in the shade, it is a part of the story that needs the darkness to tell its tale, a bit more bitter, dirty, overwhelming.

The cinema educated us to sit and watch stories in motion, however, photography, or rather, the human gaze, does not always work that way. I look at the work of these two women and everything stops. I see the water on the leaves of the trees, I can smell the dirt on the walls and feel the cold of the forest. Sometimes I imagine myself looking at the scenes from inside the photos, like an invisible spectator who trembles in confusion when having these bodies in front of me. I like to face them, the bodies, because they force me to hold glances in front of characters and stories that I often try not to see. On the one hand, the work of Alejandra Saldaña abruptly leads us to feel our body and juxtaposes ours to hers. The harshness of her images is only comparable to her sad but angry words. Few people have found such brutal honesty in their work and their way of living. I look at her photos and I feel the fear, frustration and anger over a community that pigeonholes us into slender, false bodies. But in the same way she is proud and strong in front of us, the simple spectators of life.

Then I listen to Concepción, I say "listen" because her photos and videos are melodies that come from inside her and the intimacy that her stories shed. Each picture is like a small movie, with dialogues, ambient sound and lots of music, always music. I enjoy listening to the photos of Concepción because she gives herself a freedom that others avoid: having fun.

In photography we were educated to follow formulas and write statements, but Concepcion goes beyond that and tells us something sinister, because she understands when landscapes are torn apart by found bodies or objects. That's where I can stop to listen. At that moment she shares a thought, intense, cold but always honest.

There is a narrative in the shadow, in that which is not completely focused or clean. It is a power that few achieve, because daring to look from the darkness throws us towards the destruction of ideologies, but exposes us to the gaze of others.

It's hard to ask the wrong questions, but the answers, I'm sure, are certainly more fun.

Tú, hermoso error de la naturaleza
Sobre la obra de Alejandra Saldaña y Concepción Huerta
Por Cintia Durán

Hay una narrativa en la sombra, es una parte de la historia que necesita de la oscuridad para poder contar su relato, un poco más amargo, sucio, agobiante.  

El cine nos educó para sentarnos a ver cuentos en movimiento, sin embargo, la fotografía o más bien, la mirada humana, no siempre funcionan así. Miro el trabajo de estas dos mujeres y todo se detiene. Veo el agua sobre las hojas de los árboles, puedo oler la suciedad de las paredes y sentir el frío del bosque. A veces me imagino a mi misma mirando las escenas desde adentro de las fotos, como un espectadora invisible que tiembla confundida al tener estos cuerpos frente a mi. Me gusta enfrentarme a ellos, los cuerpos, porque me obligan a sostener miradas frente a personajes e historias que muchas veces intento no ver. Por un lado el trabajo de Alejandra Saldaña nos lleva abruptamente a sentir nuestro cuerpo y nos contrapone frente al suyo. La crudeza de sus imágenes solo se compara con sus palabras tristes pero furiosas. Pocas personas he conocido con tal brutal honestidad en su obra y su forma de llevar la vida, contemplo sus fotos y siento el miedo, la frustración y el coraje sobre una comunidad que nos encasilla en cuerpos esbeltos, falsos. Pero que de igual forma se muestra orgullosa y fuerte frente a nosotros, simples espectadores de la vida.

Luego escucho a Concepción, digo escucho, porque sus fotos y videos son melodías que vienen desde adentro de ella y la intimidad que sus historias arrojan. Cada foto es como una pequeña película, con diálogos, sonido ambiental y mucha música, siempre música. Disfruto escuchar las fotos de Concepción porque ella se da una libertad que otros evitan: divertirse. 

En la fotografía nos educaron para seguir fórmulas y escribir statements, pero Concepción va más allá y nos narra algo siniestro, porque entiende cuando los paisajes son desgarrados por algunos cuerpos u objetos que se va encontrando. Es ahí donde puedo detenerme a escuchar. En el momento en ella nos comparte un pensamiento, intenso, frío pero siempre honesto. 

Hay una narrativa en la sombra, en aquello que no está completamente enfocado ni limpio. Es un poder que pocos logran, porque atreverse a mirar desde la oscuridad nos arroja hacia la destrucción de ideologías pero nos expone a la mirada otros. 

Es difícil hacer preguntas equivocadas, pero las respuestas, estoy segura, son ciertamente más divertidas. 

Cintia Durán 
@invasor_es 
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Concepción Huerta

© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta

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Alejandra Saldaña

From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña
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Cintia Durán
Morelia, Michoacán, México 1985

Project manager in the areas of image and science. Cintia Durán earned a degree in Audiovisual Media from the Centro de Arte Audiovisual (2008) and in addition has studied in several specialized workshops in photography, art and video.

She is the co-founder of Generador (2008), a platform on education and research in photography and contemporary art. Under the umbrella of Generator, she works as a teacher and general coordinator of the 1x1, FGfest and Tlaloque projects.

Her photographic and audiovisual work has been exhibited in different states of the Mexican Republic and abroad. Her distinctions include First Place in the Guadalajara Biennial i3.14 Armando Salas Portugal Award (2009), 3rd Place in the Fahrenheit Magazine Contemporary Photography Award in 2008, the Foto Guanajuato comprehensive workshops scholarship in 2005, the PECDAM Michoacán scholarship in the Young Creators category in 2008 and the PROYECTA Jalisco 2014 scholarship. She was also selected for the National Youth Art Encounter in the 2009 and 2010 editions and the Yucatan National Art Biennial in 2014.

She has presented papers on the use of art and photography for the dissemination of science at the 2016 International Astronautical Congress (IAC) and CAP Conference Communicating Astronomy With the Public in Fukuoka, Japan in 2018.

She is currently a FONCA Young Creators Fellow and conducts research on Mexican meteorites, a project that will be presented during the 2018 International Astronautical Congress (IAC) in Bremen, Germany.

Gestora en temas de imagen y ciencia. Cintia Durán estudió la licenciatura en Medios Audiovisuales por parte del Centro de Arte Audiovisual (2008) así como diversos talleres de especialización en fotografía, arte y video.

Es co-fundadora de Generador (2008) plataforma sobre educación e investigación de fotografía y el arte contemporáneo. Dentro de Generador, se desarrolla como docente y coordinadora general de los proyectos 1x1, FGfest y Tlaloque.

Su obra fotográfica y audiovisual ha sido expuesta en diferentes estados de la república mexicana y el extranjero. Entre sus distinciones, se cuenta el primer lugar en la Bienal de Guadalajara 3.14 Premio Armando Salas Portugal (2009), 3er Lugar en el Premio de Fotografía Contemporánea de la Revista Fahrenheit en 2008, la beca de los talleres integrales Foto Guanajuato en 2005, la Beca PECDAM Michoacán en la categoría de Jóvenes Creadores en 2008 y la beca PROYECTA Jalisco 2014. Así mismo fue seleccionada en el Encuentro Nacional Arte Joven en las ediciones 2009 y 2010 y en la Bienal Nacional de Arte Yucatán 2014.

Ha presentado papers sobre el uso del arte y la fotografía para divulgación de ciencia dentro del Congreso Internacional de Astronáutica 2016 (IAC) y CAP Conference Communicating Astronomy With the Public 2018 en Fukuoka, Japón. 

Actualmente es becaria Jóvenes Creadores FONCA y realiza una investigación sobre meteoritos mexicanos, proyecto que será presentado durante Congreso Internacional de Astronáutica 2018 (IAC) en Bremen, Alemania. 
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This series also includes responses from Molly RobertsMariela SancariAlonso CastilloPaccarik OrueKatrin EismannDina MitraniDon Gregorio AntonCristina De Middel, Arturo SotoCecilia Fajardo-HillGuillermo Srodek-HartYorgos EfthymiadisLivia AnimasJuanita BermúdezSusana Raab, the pairing of Victoria Holguín and Daniella BenedettiEmiliano ValdésMuriel HasbunGeorge SladeMarta DahóElizabeth AvedonJorge PicciniRodrigo OrrantiaSujong SongNelson Herrera YslaOliva María RubioJonathan BlausteinPatricia MartinJosé Luis CuevasZully SoteloAlfredo De Stefano FaríasGonzalo GolpeJulián BarónJames RodríguezMisha Vallejo and Musuk Nolte.