9.04.2018

LatAm f100: Cecilia Paredes and Antonio Briceño

Nocturne, 2009 © Cecilia Paredes

fototazo has asked a group of 50 curators, gallery owners, blog writers, photographers, academics and others actively engaged with Latin American photography to pick two photographers whose work deserves recognition.

This project aims to highlight great work being made in the region today and also to provide a starting point in both English and Spanish for exploring contemporary Latin American photography. LatAm f100 is a collaboration between fototazo and the photographer and educator Jaime Permuth.

Today we continue the series with selections by Alasdair Foster. His biography follows his selections.

fototazo ha invitado a un grupo de 50 curadores, galeristas, escritores, fotógrafos, y académicos - entre otros individuos seriamente comprometidos con la fotografía latinoamericana - a escoger cada quién dos fotógrafos cuya obra sea merecedora de mayor reconocimiento.

Este proyecto es una manera de celebrar el gran trabajo que se lleva a cabo en la región. Asimismo, busca proporcionar un punto de partida bilingüe en inglés y en español a las audiencias que deseen explorar la fotografía contemporánea en Latinoamérica. LatAm f100 es una colaboración entre fototazo y el fotógrafo y educador Jaime Permuth.


Hoy continuamos la serie con selecciones aportadas por Alasdair Foster
Encontrará su biografía al final del texto.
______________________________

Cecilia Paredes
Peru
[en español abajo]

The eye is caught by colour. Pattern engages the mind. Ambiguity fuels the imagination. This is no mere accident; these traits have evolved as essential to long-term survival. Colour changes with ripeness, with hotness, with disease; it calls to us, warns us, hides from us. It is by recognising and understanding patterns that we can order the world around us, describe and anticipate its ever-unfolding narratives and, in turn, represent this knowledge in symbolic configurations of our own devising. But it is ambiguity that engages us most strongly. The uncertain must be investigated, analysed, assayed against memory and made prescient in the mind’s eye. While the play of young animals and children prefigures the dealings of adult life (conflict, cooperation, danger, love …), the skills we now associate with story-telling and the arts invert the process, repurposing the traits of survival to a kind of play. It is a reflexive kind of play that seeks not just to understand the exterior world, but ourselves. For it is through that understanding of self that we can reach out empathetically to conceive the interior life of others.

The ‘landscapes’ [paisajes] of the Peruvian artist Cecilia Paredes draw on and articulate this interior experience. Her body lies camouflaged amid the ornate designs of chintz and wallpaper like a fugitive being in a prehistoric jungle. Is this the lair of the predator or the hiding place of the prey? Perhaps neither… For Cecilia Paredes, it is the marginal beings that she loves most. The misunderstood. Loners.

Her work with fabric designs evolved over a journey that took her from Peru to Costa Rica and on to the USA. The images arose from a synthesis of local experience and personal introspection. The lush tropical flora of Costa Rica made a deep impression that provided the visual tropes for this work, while she sensed in the animals she discovered there a powerful empathic identification.

Moving on again, this time to Philadelphia, those visual and emotional memories became the basis of a creative language through which to explore each new experience. The lot of the migrant is to become subsumed into the patterns of another culture, another way of life. To survive one must blend in; learn to be something else, someone new. The rich floral designs of chintz and wallpaper, and the inspiration she drew from the animal-life of Costa Rica, came together to express these feelings through a process of visual orchestration.

But are we lost to ourselves as we simply dissolve into the alien landscapes of the new?

These images are ambiguous. The disappearing act is in the eye of the beholder. The woman remains whole and uncorrupted, we just have to work harder to perceive how she inhabits the space of the frame, harmonising with (while remaining distinct from) the florid patterns and stylised foliage. Form describes the corporeal fact; pattern the context. And it is our evolved sense of self-preservation, repurposed to consider the internal life of others, through which we each have the possibility of true insight.

Firenze, 2018 © Cecilia Paredes


The Secret, 2018 © Cecilia Paredes


Dreaming Rose, 2009 © Cecilia Paredes


Eve, 2018 © Cecilia Paredes


Hermitage II, 2018 © Cecilia Paredes


Looking East, 2018 © Cecilia Paredes


Both Worlds, 2011 © Cecilia Paredes


Vienna, 2017 © Cecilia Paredes


Elusive Paradise, 2010 © Cecilia Paredes

El ojo es atrapado por el color. El patrón atrae la mente. La ambigüedad alimenta la imaginación. Esto no es un mero accidente; estos rasgos han evolucionado como esenciales para la supervivencia a largo plazo. El color cambia con la madurez, con el calor, con la enfermedad; nos llama, nos advierte, se esconde de nosotros. Es al reconocer y comprender los patrones que podemos ordenar el mundo que nos rodea, describir y anticipar sus narrativas en constante desarrollo y, a su vez, representar este conocimiento en configuraciones simbólicas de nuestra propia invención. Pero es la ambigüedad lo que nos compromete más fuertemente. Lo incierto debe ser investigado, analizado, evaluado en contra de la memoria y hecho profético en el ojo de la mente. Mientras que el juego de animales jóvenes y niños prefigura el trato de la vida adulta (conflicto, cooperación, peligro, amor...), las habilidades que ahora asociamos con la narración de historias y las artes invierten el proceso, reutilizando los rasgos de la supervivencia a una especie de juego. Es un tipo de juego reflexivo que busca no solo entender el mundo exterior, sino también a nosotros mismos. Porque es a través de esa comprensión de uno mismo que podemos extendernos con empatía para concebir la vida interior de los demás.

Los 'paisajes' de la artista peruana Cecilia Paredes se basan y articulan esta experiencia interior. Su cuerpo yace camuflado entre los adornados diseños de chintz y papel tapiz como un ser fugitivo en una jungla prehistórica. ¿Es esta la guarida del depredador o el escondite de la presa? Quizás ninguno... Para Cecilia Paredes, son los seres marginales los que ella más ama. Los incomprendidos. Los solitarios.

Su trabajo con diseños de telas evolucionó en un viaje que la llevó desde Perú a Costa Rica y a los Estados Unidos. Las imágenes surgieron de una síntesis de la experiencia local y la introspección personal. La exuberante flora tropical de Costa Rica causó una impresión profunda que proporcionó los tropos visuales para este trabajo, mientras que ella detectó en los animales que descubrió allí una poderosa identificación empática.

Pasando de nuevo, esta vez a Filadelfia, esos recuerdos visuales y emocionales se convirtieron en la base de un lenguaje creativo a través del cual explorar cada nueva experiencia. La suerte del migrante es ser subsumido en los patrones de otra cultura, otra forma de vida. Para sobrevivir uno debe mezclarse; aprender a ser otra cosa, alguien nuevo. Los ricos diseños florales de chintz y papel tapiz, y la inspiración que ella tomó de la vida animal de Costa Rica, se unieron para expresar estos sentimientos a través de un proceso de orquestación visual.

¿Pero estamos perdidos para nosotros mismos ya que simplemente nos disolvemos en los paisajes extraños de lo nuevo?

Estas imágenes son ambiguas. El acto de desaparición está en el ojo del espectador. La mujer permanece íntegra y no corrompida, solo tenemos que trabajar más duro para percibir cómo ella habita en el espacio del marco, armonizando con (mientras mantiene la diferencia con) los estampados floridos y el follaje estilizado. La forma describe el hecho corporal; modelar el contexto. Y es nuestro sentido evolucionado de autoconservación, reutilizado para considerar la vida interna de los demás, a través de la cual cada uno de nosotros tiene la posibilidad de una verdadera percepción.

______________________________

Antonio Briceño
Venezuela / Spain
[en español abajo]

Sex is a small word, but a large and complex area of human experience and being. The act is an intense pleasure that can also be used as a weapon. The ontological nature of gender, while systematised as a binary, is capable of subtle and fluid subjective expression. Social norms map the highways and byways of where, when and how sex is legitimate and where it is deviant, scandalous or illegal. These culturally defined maps are so familiar that attitudes to sex can quickly ossify becoming unquestioned and emotive certainties. In the industrial west, sex has become a lifestyle, a politics of identity and an impossibly idealised commodity.

In the nineteenth century, when scientific and legal authorities did much to catalogue, pathologise and criminalise those aspects of human sexuality deemed beyond the pale, it created a whole new sexual menu which, while its bill of fare was not innovative in itself, could be served up with exotic new names and a large dollop of sauce. The acts of the body were extended into the nature of the mind. In reaction against this commoditisation of sex, some sought to escape to distant cultures, where eroticism was (or appeared to be) simpler and more natural. However, seen through contemporary post-colonial lens, such cross-cultural expeditions tend to be viewed with critical scepticism, if not downright opprobrium.

It is, then, a brave artist who seeks to engage the fluid nature of sex, gender and sexuality in cultures beyond the mores and strictures of the industrialised west, let alone represent them visually. But the Venezuelan artist, Antonio Briceño, is just such a person. For the last quarter-century, he has worked with more than thirty-five indigenous cultures spanning five continents, from the Sami of northern Europe to the Maori of New Zealand. There is a strong ecological thread that runs through his work, both in the naturalistic meaning of the environment and in the more metaphorical meaning of human diversity and interdependence. Much of his work pays homage to the mythologies and traditional wisdom at the heart of these cultures.

The images here are drawn from two series that address a more specific phenomenon depicting an ecosystem of sexual expression. They were made in and around the Peruvian city of Iquitos, deep in the Amazon jungle. Iquitos has become known for its relaxed attitude to sex. In ‘Equinoctial Love’ the artist sets the languid androgyny of youth and the darker machismo of maturity in contexts that draw on the myth of Aphrodite and her acolytes. It is an aesthetic syncretism that interweaves cross-cultural symbols such as foam, arrows and doorways to speak indirectly of the act of sex in order to reflect upon the ontological nature of erotic states of being.

In contrast, ‘Thirteen Beds’ pays attenuated attention to the act itself, an extended photographic exposure that captures love-making in a dynamic but non-specific way. The images hint at a diversity of sexual preference while blending all in the swirling blur of coital union.

The series employ two distinct devices: the one a cross-cultural aesthetic symbolism, the other a subjective documentary impressionism.  In the imaginative space between these two states, Antonio Briceño evokes the sensibility of one culture in terms that may be understood in another. Or, if not understood, then sensed somatically and felt empathically…

© Antonio Briceño, from the series "Equinoctial Love"


© Antonio Briceño, from the series "Equinoctial Love"


© Antonio Briceño, from the series "Equinoctial Love" 


© Antonio Briceño, from the series "Equinoctial Love"


© Antonio Briceño, from the series "Equinoctial Love"


© Antonio Briceño, from the series "13 Beds"


© Antonio Briceño, from the series "13 Beds"


© Antonio Briceño, from the series "13 Beds"


© Antonio Briceño, from the series "13 Beds"


© Antonio Briceño, from the series "13 Beds"
El sexo es una palabra pequeña, pero un área grande y compleja de la experiencia y el ser humano. El acto es un placer intenso que también se puede usar como arma. La naturaleza ontológica del género, aunque sistematizada como un binario, es capaz de una expresión subjetiva sutil y fluida. Las normas sociales mapean las carreteras y caminos de dónde, cuándo y cómo el sexo es legítimo y dónde es desviado, escandaloso o ilegal. Estos mapas definidos culturalmente son tan familiares que las actitudes hacia el sexo pueden rápidamente osificarse y convertirse en certezas emotivas e incuestionables. En el oeste industrial, el sexo se ha convertido en un estilo de vida, una política de identidad y una mercancía increíblemente idealizada.

En el siglo XIX, cuando las autoridades científicas y legales hicieron mucho por catalogar, tratar como una patología y criminalizar aquellos aspectos de la sexualidad humana considerados fuera de lugar, crearon un nuevo menú sexual que, si bien su factura no era innovadora en sí misma, podría ser servido con nuevos nombres exóticos y una gran porción de salsa. Los actos del cuerpo se extendieron a la naturaleza de la mente. En reacción contra esta mercantilización del sexo, algunos intentaron escapar a culturas distantes, donde el erotismo era (o parecía ser) más simple y más natural. Sin embargo, visto a través del lente poscolonial contemporáneo, tales expediciones transculturales tienden a verse con escepticismo crítico, si no absolutamente oprobioso.

Es, entonces, un artista valiente quien busca abordar la naturaleza fluida del sexo, el género y la sexualidad en las culturas más allá de las costumbres y restricciones del oeste industrializado, por no hablar de representarlas visualmente. Pero el artista venezolano Antonio Briceño es justo ese tipo de persona. Durante el último cuarto de siglo, ha trabajado con más de treinta y cinco culturas indígenas que abarcan cinco continentes, desde los sami del norte de Europa hasta los maoríes de Nueva Zelanda. Existe un fuerte hilo ecológico que recorre su trabajo, tanto en el sentido naturalista del entorno como en el significado más metafórico de la diversidad e interdependencia humanas. Gran parte de su trabajo rinde homenaje a las mitologías y la sabiduría tradicional en el corazón de estas culturas.

Las imágenes aquí están extraídas de dos series que abordan un fenómeno más específico que representa un ecosistema de expresión sexual. Se hicieron en y alrededor de la ciudad peruana de Iquitos, en las profundidades de la selva amazónica. Iquitos se ha hecho conocida por su actitud relajada hacia el sexo. En 'Equinoctial Love' el artista establece la lánguida androginia de la juventud y el machismo más oscuro de la madurez en contextos que se basan en el mito de Afrodita y sus acólitos. Es un sincretismo estético que entrelaza símbolos transculturales como espuma, flechas y puertas para hablar indirectamente del acto sexual para reflexionar sobre la naturaleza ontológica de los estados eróticos del ser.

Por el contrario, 'Trece camas' presta atención atenuada al acto en sí, una exposición fotográfica prolongada que capta el acto de hacer el amor de una manera dinámica pero no específica. Las imágenes insinúan una diversidad de preferencias sexuales mientras se mezclan en el borrón de la unión coital.

La serie emplea dos dispositivos distintos: el que es un simbolismo estético transcultural y el otro un impresionismo documental subjetivo. En el espacio imaginativo entre estos dos estados, Antonio Briceño evoca la sensibilidad de una cultura en términos que pueden ser entendidos en otra. O, si no entendida, entonces percibida somáticamente y sentida empáticamente...
______________________________

Dr Alasdair Foster is a writer, researcher and award-winning curator initiating intercultural photography and visual art projects around the world, especially in Asia and the Pacific Rim. He is Adjunct Professor in the School of Art of RMIT University, Melbourne and a member of the university’s Contemporary Art and Social Transformation research group. Dr Foster has 20 years’ experience heading national arts institutions and over 35 years of working in the public cultural sector. He was the founding director of Fotofeis festival, Europe’s largest photo event of the nineties (1991–1997) and director of the Australian Centre for Photography (1998–2011). He is currently Leverhulme Visiting professor at the University of Dundee, Scotland.
______________________________

This series also includes responses from Molly RobertsMariela SancariAlonso CastilloPaccarik OrueKatrin EismannDina MitraniDon Gregorio AntonCristina De Middel, Arturo SotoCecilia Fajardo-HillGuillermo Srodek-HartYorgos EfthymiadisLivia AnimasJuanita BermúdezSusana Raab, the pairing of Victoria Holguín and Daniella BenedettiEmiliano ValdésMuriel HasbunGeorge SladeMarta DahóElizabeth AvedonJorge PicciniRodrigo OrrantiaSujong SongNelson Herrera YslaOliva María RubioJonathan BlausteinPatricia MartinJosé Luis CuevasZully SoteloAlfredo De Stefano FaríasGonzalo GolpeJulián BarónJames RodríguezMisha VallejoMusuk Nolte and Cintia Durán.

8.13.2018

LatAmf100: Concepción Huerta and Alejandra Saldaña

© Concepción Huerta

fototazo has asked a group of 50 curators, gallery owners, blog writers, photographers, academics and others actively engaged with Latin American photography to pick two early career photographers whose work deserves recognition.

This project aims to highlight great work being made in the region today and also to provide a starting point in both English and Spanish for exploring contemporary Latin American photography. LatAm f100 is a collaboration between fototazo and the photographer and educator Jaime Permuth.

Today we continue the series with selections by Cintia Durán. Her biography follows his selections.

fototazo ha invitado a un grupo de 50 curadores, galeristas, escritores, fotógrafos, y académicos - entre otros individuos seriamente comprometidos con la fotografía latinoamericana - a escoger cada quién dos fotógrafos emergentes cuya obra sea merecedora de mayor reconocimiento.

Este proyecto es una manera de celebrar el gran trabajo que se lleva a cabo en la región. Asimismo, busca proporcionar un punto de partida bilingüe en inglés y en español a las audiencias que deseen explorar la fotografía contemporánea en Latinoamérica. LatAm f100 es una colaboración entre fototazo y el fotógrafo y educador Jaime Permuth.


Hoy continuamos la serie con selecciones aportadas por Cintia Durán.
 Encontrará su biografía al final del texto.
______________________________

Tú, hermoso error de la naturaleza

On the work of Alejandra Saldaña and Concepción Huerta
By Cintia Durán

There is a narrative in the shade, it is a part of the story that needs the darkness to tell its tale, a bit more bitter, dirty, overwhelming.

The cinema educated us to sit and watch stories in motion, however, photography, or rather, the human gaze, does not always work that way. I look at the work of these two women and everything stops. I see the water on the leaves of the trees, I can smell the dirt on the walls and feel the cold of the forest. Sometimes I imagine myself looking at the scenes from inside the photos, like an invisible spectator who trembles in confusion when having these bodies in front of me. I like to face them, the bodies, because they force me to hold glances in front of characters and stories that I often try not to see. On the one hand, the work of Alejandra Saldaña abruptly leads us to feel our body and juxtaposes ours to hers. The harshness of her images is only comparable to her sad but angry words. Few people have found such brutal honesty in their work and their way of living. I look at her photos and I feel the fear, frustration and anger over a community that pigeonholes us into slender, false bodies. But in the same way she is proud and strong in front of us, the simple spectators of life.

Then I listen to Concepción, I say "listen" because her photos and videos are melodies that come from inside her and the intimacy that her stories shed. Each picture is like a small movie, with dialogues, ambient sound and lots of music, always music. I enjoy listening to the photos of Concepción because she gives herself a freedom that others avoid: having fun.

In photography we were educated to follow formulas and write statements, but Concepcion goes beyond that and tells us something sinister, because she understands when landscapes are torn apart by found bodies or objects. That's where I can stop to listen. At that moment she shares a thought, intense, cold but always honest.

There is a narrative in the shadow, in that which is not completely focused or clean. It is a power that few achieve, because daring to look from the darkness throws us towards the destruction of ideologies, but exposes us to the gaze of others.

It's hard to ask the wrong questions, but the answers, I'm sure, are certainly more fun.

Tú, hermoso error de la naturaleza
Sobre la obra de Alejandra Saldaña y Concepción Huerta
Por Cintia Durán

Hay una narrativa en la sombra, es una parte de la historia que necesita de la oscuridad para poder contar su relato, un poco más amargo, sucio, agobiante.  

El cine nos educó para sentarnos a ver cuentos en movimiento, sin embargo, la fotografía o más bien, la mirada humana, no siempre funcionan así. Miro el trabajo de estas dos mujeres y todo se detiene. Veo el agua sobre las hojas de los árboles, puedo oler la suciedad de las paredes y sentir el frío del bosque. A veces me imagino a mi misma mirando las escenas desde adentro de las fotos, como un espectadora invisible que tiembla confundida al tener estos cuerpos frente a mi. Me gusta enfrentarme a ellos, los cuerpos, porque me obligan a sostener miradas frente a personajes e historias que muchas veces intento no ver. Por un lado el trabajo de Alejandra Saldaña nos lleva abruptamente a sentir nuestro cuerpo y nos contrapone frente al suyo. La crudeza de sus imágenes solo se compara con sus palabras tristes pero furiosas. Pocas personas he conocido con tal brutal honestidad en su obra y su forma de llevar la vida, contemplo sus fotos y siento el miedo, la frustración y el coraje sobre una comunidad que nos encasilla en cuerpos esbeltos, falsos. Pero que de igual forma se muestra orgullosa y fuerte frente a nosotros, simples espectadores de la vida.

Luego escucho a Concepción, digo escucho, porque sus fotos y videos son melodías que vienen desde adentro de ella y la intimidad que sus historias arrojan. Cada foto es como una pequeña película, con diálogos, sonido ambiental y mucha música, siempre música. Disfruto escuchar las fotos de Concepción porque ella se da una libertad que otros evitan: divertirse. 

En la fotografía nos educaron para seguir fórmulas y escribir statements, pero Concepción va más allá y nos narra algo siniestro, porque entiende cuando los paisajes son desgarrados por algunos cuerpos u objetos que se va encontrando. Es ahí donde puedo detenerme a escuchar. En el momento en ella nos comparte un pensamiento, intenso, frío pero siempre honesto. 

Hay una narrativa en la sombra, en aquello que no está completamente enfocado ni limpio. Es un poder que pocos logran, porque atreverse a mirar desde la oscuridad nos arroja hacia la destrucción de ideologías pero nos expone a la mirada otros. 

Es difícil hacer preguntas equivocadas, pero las respuestas, estoy segura, son ciertamente más divertidas. 

Cintia Durán 
@invasor_es 
______________________________

Concepción Huerta

© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta


© Concepción Huerta

______________________________

Alejandra Saldaña

From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña


From the series "120 kg. Madre e hija" © Alejandra Saldaña
______________________________

Cintia Durán
Morelia, Michoacán, México 1985

Project manager in the areas of image and science. Cintia Durán earned a degree in Audiovisual Media from the Centro de Arte Audiovisual (2008) and in addition has studied in several specialized workshops in photography, art and video.

She is the co-founder of Generador (2008), a platform on education and research in photography and contemporary art. Under the umbrella of Generator, she works as a teacher and general coordinator of the 1x1, FGfest and Tlaloque projects.

Her photographic and audiovisual work has been exhibited in different states of the Mexican Republic and abroad. Her distinctions include First Place in the Guadalajara Biennial i3.14 Armando Salas Portugal Award (2009), 3rd Place in the Fahrenheit Magazine Contemporary Photography Award in 2008, the Foto Guanajuato comprehensive workshops scholarship in 2005, the PECDAM Michoacán scholarship in the Young Creators category in 2008 and the PROYECTA Jalisco 2014 scholarship. She was also selected for the National Youth Art Encounter in the 2009 and 2010 editions and the Yucatan National Art Biennial in 2014.

She has presented papers on the use of art and photography for the dissemination of science at the 2016 International Astronautical Congress (IAC) and CAP Conference Communicating Astronomy With the Public in Fukuoka, Japan in 2018.

She is currently a FONCA Young Creators Fellow and conducts research on Mexican meteorites, a project that will be presented during the 2018 International Astronautical Congress (IAC) in Bremen, Germany.

Gestora en temas de imagen y ciencia. Cintia Durán estudió la licenciatura en Medios Audiovisuales por parte del Centro de Arte Audiovisual (2008) así como diversos talleres de especialización en fotografía, arte y video.

Es co-fundadora de Generador (2008) plataforma sobre educación e investigación de fotografía y el arte contemporáneo. Dentro de Generador, se desarrolla como docente y coordinadora general de los proyectos 1x1, FGfest y Tlaloque.

Su obra fotográfica y audiovisual ha sido expuesta en diferentes estados de la república mexicana y el extranjero. Entre sus distinciones, se cuenta el primer lugar en la Bienal de Guadalajara 3.14 Premio Armando Salas Portugal (2009), 3er Lugar en el Premio de Fotografía Contemporánea de la Revista Fahrenheit en 2008, la beca de los talleres integrales Foto Guanajuato en 2005, la Beca PECDAM Michoacán en la categoría de Jóvenes Creadores en 2008 y la beca PROYECTA Jalisco 2014. Así mismo fue seleccionada en el Encuentro Nacional Arte Joven en las ediciones 2009 y 2010 y en la Bienal Nacional de Arte Yucatán 2014.

Ha presentado papers sobre el uso del arte y la fotografía para divulgación de ciencia dentro del Congreso Internacional de Astronáutica 2016 (IAC) y CAP Conference Communicating Astronomy With the Public 2018 en Fukuoka, Japón. 

Actualmente es becaria Jóvenes Creadores FONCA y realiza una investigación sobre meteoritos mexicanos, proyecto que será presentado durante Congreso Internacional de Astronáutica 2018 (IAC) en Bremen, Alemania. 
______________________________

This series also includes responses from Molly RobertsMariela SancariAlonso CastilloPaccarik OrueKatrin EismannDina MitraniDon Gregorio AntonCristina De Middel, Arturo SotoCecilia Fajardo-HillGuillermo Srodek-HartYorgos EfthymiadisLivia AnimasJuanita BermúdezSusana Raab, the pairing of Victoria Holguín and Daniella BenedettiEmiliano ValdésMuriel HasbunGeorge SladeMarta DahóElizabeth AvedonJorge PicciniRodrigo OrrantiaSujong SongNelson Herrera YslaOliva María RubioJonathan BlausteinPatricia MartinJosé Luis CuevasZully SoteloAlfredo De Stefano FaríasGonzalo GolpeJulián BarónJames RodríguezMisha Vallejo and Musuk Nolte.

8.10.2018

LatAmf100: Héctor Delgado and Colectivo Pariacaca

From the series Arca / ST (2017), collage on paper © Héctor Delgado

fototazo has asked a group of 50 curators, gallery owners, blog writers, photographers, academics and others actively engaged with Latin American photography to pick two early career photographers whose work deserves recognition.

This project aims to highlight great work being made in the region today and also to provide a starting point in both English and Spanish for exploring contemporary Latin American photography. LatAm f100 is a collaboration between fototazo and the photographer and educator Jaime Permuth.

Today we continue the series with selections by Musuk Nolte. His biography follows his selections.

The series also includes responses from Molly RobertsMariela SancariAlonso CastilloPaccarik OrueKatrin EismannDina MitraniDon Gregorio AntonCristina De Middel, Arturo SotoCecilia Fajardo-HillGuillermo Srodek-HartYorgos EfthymiadisLivia AnimasJuanita BermúdezSusana Raab, the pairing of Victoria Holguín and Daniella BenedettiEmiliano ValdésMuriel HasbunGeorge SladeMarta DahóElizabeth AvedonJorge PicciniRodrigo OrrantiaSujong SongNelson Herrera YslaOliva María RubioJonathan BlausteinPatricia MartinJosé Luis CuevasZully SoteloAlfredo De Stefano FaríasGonzalo GolpeJulián BarónJames Rodríguez, and Misha Vallejo.

fototazo ha invitado a un grupo de 50 curadores, galeristas, escritores, fotógrafos, y académicos - entre otros individuos seriamente comprometidos con la fotografía latinoamericana - a escoger cada quién dos fotógrafos emergentes cuya obra sea merecedora de mayor reconocimiento.

Este proyecto es una manera de celebrar el gran trabajo que se lleva a cabo en la región. Asimismo, busca proporcionar un punto de partida bilingüe en inglés y en español a las audiencias que deseen explorar la fotografía contemporánea en Latinoamérica. LatAm f100 es una colaboración entre fototazo y el fotógrafo y educador Jaime Permuth.


Hoy continuamos la serie con selecciones aportadas por Musuk Nolte
Encontrará su biografía al final del texto.

La serie también incluye contribuciones de 
Molly RobertsMariela SancariAlonso CastilloPaccarik OrueKatrin EismannDina MitraniDon Gregorio AntonCristina De MiddelArturo SotoCecilia Fajardo-HillGuillermo Srodek-HartYorgos EfthymiadisLivia AnimasJuanita BermúdezSusana Raab, el dúo de Victoria Holguín and Daniella BenedettiEmiliano ValdésMuriel HasbunGeorge SladeMarta DahóElizabeth AvedonJorge PicciniRodrigo OrrantiaSujong Song y Nelson Herrera YslaOliva María RubioJonathan BlausteinPatricia MartinJosé Luis CuevasZully Sotelo, Alfredo De Stefano Farías, Gonzalo GolpeJulián BarónJames Rodríguez, y Misha Vallejo.
______________________________

Colectivo Pariacaca

The collective is composed of Prin Rodriguez and Fernando Criollo; they are creating an imaginary space where the lyricism of their images connects with the Andean cosmovision. Always as a counterpoint and in a position of resistance and confrontation with the political history of Peru. They are a proposal of character and solid identity.

Conformado por Prin Rodriguez y Fernando Criollo, están creando un imaginario donde el lirismo de sus imágenes conecta con la cosmovisión andina. Siempre en contrapunto con una posición de resistencia y confrontación con la historia política del Peru.  Son una propuesta de carácter e identidad solida.


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca


From the series Uku Pacha © Monarca Criollo (Fernando Criollo) / Colectivo Pariacaca

Editor's note: The artists have included the following statement to accompany their work.

Pariacaca is the name of one of the oldest divinities in Peru, its history is compiled in one of the most important existing texts collected from oral tradition, we have taken its name and the protection it offers for our photographic collective and to create a platform for diffusion.

Pariacaca brings us back to the voices that spoke before us, that told us about our families and their dreams. We seek to transform the way we represent (ourselves), transcend any self-imposed border and give dynamism to worlds to create visual universes.

UKU PACHA

"For the creative force of the Hanan Pacha to exist, its light must first be presented to the puma, who demands that it begin to crawl like a snake on top of the entire Kay Pacha to awaken it, to give it life. While the universe is born, the first internal pulsations are manifested in the Uku Pacha of each one of us, allowing us to be candidates for learning to collect and sculpt that same light, to offer it along with the last heartbeat when we should undertake the trip with the condors and return to the origin."

The Spanish translation closest to Uku Pacha is somewhere between mundo de abajo and mundo interior. In the Andean cosmovision, it refers to everything that is under the earth, where caves, lakes and canyons not only symbolize the entrances to the geographical interior world but also the connections with the Kay Pacha (the world of today) and the Hanan Pacha (the world dedicated to the gods), places that have been sculpted for millions of years by the same violence of nature. However, there are special doors to the world of Uku Pacha that have been forced open by humans over a short period of time due to the cruelty and death from the days of our ancestors to the armed conflicts of today.

Uku Pacha is a visual repertoire of hallucinations and fleeting thoughts that emerge from the most intimate in the form of sensory landscapes and anthropomorphic figures discovering a territory transfigured by the clash of time. It is a ritualized journey towards the Hanan Pacha, inspired by the articulation of impossible geographies and the historical violence in my country. By some measure, it is an altered mirror of Peru.

Ñuqayku futuchaq ayllu kaniku, ancha ancha kusikuywan llamkachkaniku, llapa ñaupaq ayllunchikkunata yachay,llaki, kusi, kawsayninchikta yuyarinapaq.

Sulpaykichik pagina webta watukuwasqaykichikmanta.

Pariacaca es el nombre de una de las divinidades más antiguas del Perú, su historia es recopilado en uno de los textos más importantes existentes recogidos de la tradición oral, hemos tomado su nombre y protección para darle nombre a nuestro colectivo fotográfico y crear una plataforma de difusión.

Pariacaca nos remonta a las voces que hablaron antes que nosotros, que nos contaron sobre nuestras familias y sus sueños. Buscamos transformar la forma de representar(nos), trascender cualquier frontera autoimpuesta y dinamizar los mundos para crear universos visuales.

UKU PACHA


“Para que la fuerza creadora del Hanan Pacha exista, su luz primero debe presentarse ante el puma, quien le exige que empiece a arrastrarse como una serpiente encima de todo el Kay Pacha para despertarlo, para darle vida. Mientras nace el universo, las primeras pulsaciones internas se manifiestan en el Uku Pacha de cada uno, permitiéndonos ser los candidatos en aprender a recolectar y esculpir esa misma luz, para ofrendarla junto al último latido cuando debamos emprender el viaje con los cóndores y retornar al origen.”

La definición en español más cercana a Uku Pacha se encuentra entre "mundo de abajo" y "mundo interior". En la cosmovisión andina, se refiere a todo lo que está debajo de la tierra, en donde cuevas, lagos y cañones no solo simbolizan las entradas al mundo interior geográfico sino también las conexiones con el Kay Pacha (mundo de ahora) y el Hanan Pacha (mundo dedicado a los dioses). Lugares que han sido esculpidos durante millones de años por la misma violencia de la naturaleza. Sin embargo, hay puertas especiales hacia el mundo del Uku Pacha que han sido forzadas por los humanos en poco tiempo debido a la crueldad y muerte desde las épocas de nuestros antepasados hasta los conflictos armados hoy en día.

Uku Pacha es un repertorio visual de alucinaciones y pensamientos fugaces que emergen desde lo más íntimo en forma de paisajes sensoriales y figuras antropomórficas descubriendo un territorio transfigurado por el choque de los tiempos. Se trata de un viaje ritualizado hacia el Hanan Pacha, inspirado por la articulación de geografías imposibles y la violencia histórica en mi país. En alguna medida, un espejo alterado del Perú.
______________________________

Using collage as a resource, Hector Delgado (Sinicio) has created a series of homemade publications with great precision and skill which confront the political situation with acid humor without falling into propagandist discourse

Usando el recurso del collage, Hector Delgado (Sinicio) ha creado una serie de publicaciones casera con gran precisión y tino, que confrontan la coyuntura política con un humor acido sin caer en el discurso panfletario.

Editor's note: The following images are part of the series Arca / ST. The series consists of four parts. The artist has sent a statement to accompany the series which can be found after the images. He also suggests viewing this video as an introduction to his work which belongs to one of the four parts of the series. This first part is entitled ARCA.

The following four images belong to the second part of the series; this second part is entitled Como un ataque frontal de infantería (Like a frontal attack of infantry).

From the series Arca / ST (2017), collage on paper © Héctor Delgado

From the series Arca / ST (2017), collage on paper © Héctor Delgado


From the series Arca / ST (2017), collage on paper © Héctor Delgado

The following six images are from Los Polutos which is the third part of the series Arca / ST.  The artist has sent a small accompanying statement on these particular images:

Los Polutos
The name of the series is born from a game of words between pollution, politicians and corruption which alludes to the behavior of these subjects in politics. It presents 38 men who wear dark suits in the form of photo cards, composed from cut-outs from Caretas magazines of the (late) 80s and 90s. This period marks a precedent in how Peruvian politics has been structured in how the fall of Aprismo and the beginnings of Fujimorismo are experienced.

The texts, in the form of a photo captions, narrate the practices of these subjects from the party of invaders and their campaign slogans or famous phrases of their administrations. These texts seek to reflect the political precariousness in which the country lives.

Series of 38 collages, variable measures.

El nombre de la serie nace a partir de un juego de palabras entre polución, políticos y corruptos en el que se alude al comportamiento de estos sujetos dentro de la política. Se presenta a 38 hombres que visten trajes oscuros en forma de foto carnet, compuestos a partir de recortes de revistas caretas de los años 80s (finales) y 90s. Este periodo marca un precedente en cómo se ha estructurado la política peruana en la que se vive la caída del aprismo y los comienzos del fujimorismo.

Los textos en forma de pie de foto narran las prácticas de estos sujetos con el partido de invasores y sus eslóganes de campaña o frases célebres durante sus gestiones. Estos textos buscan reflejar la precariedad política por la que está viviendo el país.

Serie de 38 collages, medidas variables.

From the series Arca / ST (2017), collage on paper © Héctor Delgado


From the series Arca / ST (2017), collage on paper © Héctor Delgado


From the series Arca / ST (2017), collage on paper © Héctor Delgado


From the series Arca / ST (2017), collage on paper © Héctor Delgado


From the series Arca / ST (2017), collage on paper © Héctor Delgado


From the series Arca / ST (2017), collage on paper © Héctor Delgado

Statement on the series ARCA/ST

ARCA
This is a story of the future, of an immediate future. It is the year 2021 and a group of subjects, with dark suits and leather briefcases, invade a small planet. They say they come in peace. They look, sound and smell like us. They are human, they come from a distant planet that they call Earth.

Como un ataque frontal de infantería (Like a frontal attack of infantry)
A violent expansion after a controlled tactical movement
or
How a wild ejaculation spreads the infection.

Los Polutos (The Polutos)
A party is organized. It is a family. A club. A company. There they are organized. They congregate. As swans congregate. With a white handkerchief in hand they throw you the pigeon. Smile, you're on TV. Smile, you're on the front page. Smile at anyone, whenever, however.

Refracción (Refraction) [Lead image of this post]
The shadow of the dictator is projected onto the town.
The shadow of the puppeteer is projected on the Congress.
Jesus Christ projects an intermittent red light on his ego.

We live in a country where every five years we struggle to not reawaken a dictatorship. We travel day by day in the hand of a mayor who collapses under his own words. A country in which the spectacle rules politics and tarnishes the political.

Do not mess with the monumental milk luxury president a goal that we want to steal my 
Chilean children sell arepas for the day of rum where builders wash their faces with art during 
a fight all is forgotten with pisco. 

We live in a constant struggle against those who govern us.

1 ARCA 
Esta es una historia del futuro, de un futuro inmediato. Es el año 2021 y un grupo de sujetos, trajes oscuros y maletines de cuero, invaden un pequeño planeta. Dicen que vienen en paz. Se ven, oyen y huelen como nosotros. Son humanos, vienen de un planeta lejano al que llaman Tierra. 

2 Como un ataque frontal de infantería 
Una expansión violenta tras un movimiento táctico controlado 

Cómo una eyaculación salvaje propaga la infección. 

3 Los Polutos 
Un partido se organiza. Es una familia. Un club. Una empresa. Ahí se organizan. Se congregan. Como cisnes se congregan. Con pañuelo blanco en mano te lanzan la paloma. Sonríe, que estas en la tele. Sonríe, que estás en primera plana. Sonríele a quien sea, cuando sea, como sea. 

4 Refracción 
Se proyecta la sombra del dictador sobre el pueblo. 
Se proyecta la sombra del titiritero sobre el Congreso. 
Jesucristo proyecta una luz roja intermitente sobre su ego. 

Vivimos en un país en el que cada cinco años se lucha por no revivir una dictadura. Transitamos día a día de la mano de un alcalde que se desploma por sus propias palabras. Un país en el que el espectáculo rige la política y empaña lo político. 

No te metas con la leche monumental presidente de lujo un golazo que nos quieren robar mis hijos chilenos venden arepas por el día del ron donde las constructoras se lavan la cara con arte durante un combate todo se olvida con pisco. 

Vivimos en una lucha constante contra quienes nos gobiernan.
______________________________

Musuk Nolte. Mexico City, 1988 (naturalized Peruvian)

He studied professional photography and has a Master's Degree from the Centro de La Imagen in Lima. His work develops between the areas of documentary photography, art and publishing.

He was a fellow of the FONCA Mexico (2010), of the Master Class of the World Press Photo in Latin America (2015) and of the Magnum Foundation (2017). He has received the X national prize for documentary photography "Eugene Courret" (2010), the second place and the prize of the jury POY LATAM in the category of portrait and news history, respectively (2013).

He has had eleven solo exhibitions in galleries in Lima, Buenos Aires, Paris, Madrid and Mexico. His work has been exhibited in groups such as MALI (Museum of Art in Lima), SIPF (Singapore International Photography Festival), Les Rencontres d'Arles, III Photoquai Biennial, Deuche Bank NY, Casa de América Madrid, PhotoEspaña, XV Venice Architecture Biennale, and ParisPhoto among others.

In 2017 he received the Elliott Erwitt Havana Club 7 Fellowship, a project presented at La Rotonde de la Reine during Parisphoto 2017 and at Photespaña XX at Casa de America (2018)

He has published the books The First Stone (2014), The Speed ​​of Drift (2017), PIRUW (along with Leslie Searles / 2013) and Flor de Toé (Versus Photo / 2014).

Together with Fernando Fujimoto, he directs KWY Ediciones, an independent editorial platform aimed at editing and jointly producing projects by mainly Latin American authors. To date they have published 13 titles and their books have been part of various exhibitions and selections of specialized photobooks in North America, Latin America and Europe.

Musuk Nolte. Ciudad de México, 1988 (naturalizado peruano)

Estudio fotografía profesional y un máster en el Centro de La Imagen de Lima. Su trabajo se desenvuelve entre la fotografía documental, el arte y la edición. 

Fue becario del FONCA México (2010), del Máster Class del World Press Photo en Latinoamérica (2015) y de Magnum Foundation (2017). Ha recibido el X premio nacional de fotografía documental “Eugene Courret” (2010), el segundo puesto y el premio del jurado POY LATAM en la categoría de retrato y noticias historia, respectivamente (2013).

Ha realizado once exposiciones individuales en galerías de Lima, Buenos Aires, Paris, Madrid y México. Su trabajo ha sido expuesto en colectivas entre las cuales destacan MALI (Museo de Arte en Lima), SIPF (Singapore International Photography Festival), Les Rencontres d'Arles,  III Bienal de Photoquai, Deuche Bank NY, Casa de América Madrid, PhotoEspaña , XV Bienal de Venecia de Arquitectura, ParisPhoto entre otros.

El 2017 recibió el Elliott Erwitt Havana Club 7 Fellowship, proyecto presentado en La Rotonde de la Reine durante Parisphoto 2017 y en Photespaña XX  en Casa de America (2018)

Ha publicado los libros La primera piedra (2014), La velocidad de la deriva (2017),  PIRUW (junto con Leslie Searles / 2013) y Flor de Toé (Versus Photo / 2014).

Dirige junto con Fernando Fujimoto, KWY Ediciones, plataforma editorial independiente orientada a la edición y formación conjunta de proyectos de autores principalmente latinoamericanos. Hasta la fecha han editado 13 títulos y sus libros han sido parte de diversas exposiciones y selecciones de  especializados de fotolibro en  Norte America, America Latina y Europa.